Assistimos o curta AFETO, que, com uma narrativa que vai de linguagem documental à experimentação, sci-fi e terror, nos mostra de uma maneira quase onírica as memórias e os corpos femininos no espaço urbano. Com a sobreposição de imagens históricas da construção de metrópoles brasileira, o filme questiona imparcialidade e o papel social das mulheres nas construções das cidades.

Após a exibição, rolou uma roda de conversas com a diretora Gabriela Gaia Meirelles em conjunto com as arquitetas Adriane de Luca, Julia Park e Gabriela de Matos. Em apresentação, mostrei a importância de nossas produções pessoais e afetivas. Historicamente, mulheres são lembradas como frágeis e passionais, como aquelas que agem em detrimento de seus sentimentos como sendo algo negativo e inferior à produções masculinas.

Na época, eu estava lendo o livro I love Dick, da escritora e artista Chris Kraus, onde ela expõe sua obsessão pelo antropólogo Dick Hebdige, amigo de seu marido também intelectual Sylvére Lotringer, em uma narrativa quase totalmente autobiográfica, passando pelas ‘contradições do feminino’, crises de meia idade e um casamento falido. A relação criada entre Chris e sua obsessão fez com que ela escrevesse cartas compulsivas ao Dick, as transformando em um projeto: um livro empoderado, onde revela a potência que nossas obsessões possuem. Esse livro foi um novo passo para o feminismo, mesmo sofrendo severas críticas quando lançado em 1997 por ser uma “inadequação do desejo feminino” exposta ali. Porém, no início dos anos 2000, ele foi bem recebido por mulheres artistas e escritoras que viram no livro um potencial transformador e hoje se transformou até em uma série de tv.

A partir disso, resolvi levar alguns recortes e colagens que realizo como um diário pessoal. Ali é onde consigo condensar sentimentos, obsessões e vontades, que acabam se transformando em um imaginário gráfico e ‘palpável’. Além de servir como esse lugar particular, me debruçar nisso me ajuda nos meus processos criativos enquanto arquiteta e designer. Essa prática, de colocar o sentimental seja qual ele for sobreposto em uma produção, fortifica a ideia de que é importante termos afeto pelo que sentimos enquanto mulheres. Se isso faz ‘parte’ de quem somos, porque não enaltecer?

Em seguida ouvimos a fala da Adriane de Luca, arquiteta com uma trajetória importante onde conquistou lugares geralmente masculinos na produção arquitetônica como coordenadora de grandes projetos no Brasil e em Portugal. Adriane comenta  sobre a importância de reconhecermos todxs que trabalham ao nosso redor, a importância de uma ficha técnica completa, até para uma análise crítica em relação a quantidade de pessoas e de mulheres nessas produções. Ela também tem formação em dança contemporânea, contato improvisação, o caminho do canto e humana harmonia. Integra, desde 2017, o grupo de estudos em dança e performance 16 mulheres e 1⁄2, coordenado pelo núcleo cinematográfico de dança. Ela contou um pouco sobre como sua relação com a dança e performances a transforma, lugar onde ela se completa enquanto mulher, onde usa seu corpo ocupando os espaços públicos como uma forma crítica, política e de resistência. Também foi professora de projeto na escola da cidade.

A Julia Park nos mostrou seu projeto extremamente sensível e pertinente, o mitchossó, um coletivo feminista coreano que realiza algumas ações que demonstram as dificuldades de ser mulher e filhas de pais coreanos, uma cultura rígida e fechada. O mitchossó é um lugar de acolhimento entre mulheres que nunca antes haviam se aberto sobre suas aflições enquanto descendentes de coreanos. Esse é um projeto que também vem de afetos. Além disso. Julia também foi professora da escola da cidade e realiza maquetes no imita arquitetura.

Depois veio a fala da Gabriela de Mattos, arquiteta e urbanista autora do livro e do projeto Arquitetas Negras e vice-presidente do IAB-SP. A Gabriela falou visualmente através de gráficos, as discrepâncias entre mulheres brancas e negras, desde escolaridade à economia.  Imagens às vezes dizem muito mais do que palavras, e nesse caso, as informações que ela nos mostrou foi importante para termos noção do que é ser uma mulher negra no Brasil, e principalmente nas faculdades de arquitetura. Como ela mesmo disse, foi preciso mapear essas mulheres nas universidades. A fala dela levantou a voz de uma aluna que compartilhou com todxs em alto e bom som o que é ser a única aluna negra da escola da cidade. O projeto da Gabriela é importante, pertinente e estimula as falas.

Por fim, conversamos com a diretora do curta, Gabriela Gaia Meirelles, sobre esses afetos que temos quando nos expomos enquanto mulheres e nossos ofícios. Não falamos de nossa produção enquanto arquitetas, e sim, nossa produção e luta enquanto mulheres – sempre marginalizadas.

Agradeço a Fernanda Galloni, Anita Solitrenick, Amanda Klajner, Luisa Carrasco, Luciana Fernandes, Giovana Tak, Marina Sznajder, Letícia Fernandes, integrantes do coletivo feminista Carmen Portinho pelo convite e por unir tantas mulheres potentes e inspiradoras, cada uma com sua produção, todas embasadas nos afetos. Que o coletivo voe cada vez mais alto, dando voz a nós mulheres que sempre somos caladas dentro e fora da arquitetura.

imagens cedidas pelo BAÚ, acervo fotográfico da escola da cidade

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No primeiro dia apresentamos um breve panorama sobre a produção gráfica soviética a partir dos cartazes e estamparia presentes na exposição, com o objetivo de identificar os mesmos como um potente veículo de comunicação. Passando pelas técnicas de colagem, estamparia e poesia concreta, apresentamos a importância da semiótica e da composição quando queremos comunicar algo.

Como processo, a ideia foi de interpretar uma mensagem e transformá-la em imagem, criando então uma terceira mensagem – a gráfica. Esse processo foi baseado nas colagens realizadas por Rodtchenko para o livro Sobre Isto, de Vladímir Maiakovski, que as transformou em cenas, como um fragmento de um filme. Os materiais disponíveis eram revistas e jornais antigos utilizados para recortes.As frases selecionadas foram:

I. Preciso /ventilar um pouco a cabeça /vou, /vou, aonde me estabeleça.
II. Sob a mesa, /atrás do armário, água. /Do sofá, /de água ensopada, /rumo à janela navegou a mala. /Chaminé… /Bituca… /Eu mesmo joguei.
III. Entre as nuvens amadureceu o melão lunar, /obscurecendo a parede lentamente.

Como um primeiro exercício, selecionamos três frases do livro Sobre Isto e para traduzirmos em colagem. Foram desenvolvidos cartazes em formato A3 pelos alunxs e expostos para analisarmos as interpretações de cada um sobre esses trechos.

No segundo dia listamos algumas composições musicais de artistas contemporâneos, com mensagens urgentes e políticas, sendo elas:

Joana Dark – Ava Rocha, Vitor Hugo, Gabriela Carneiro da Cunha
Febre – Ava Rocha
Banho – Tulipa Ruiz
Mulher limpa – Juliana Perdigão e Angélica Freitas
Bate mais – Teto Preto
Rainha – Maria Beraldo
Revirá – Bruno Schiavo
Chocolate – Ana Frango Elétrico
Mulher do fim do mundo – Romulo Fróes
Um olho aberto – Mariá Portugal
João três filhos – Dinho Almeida
Exu nas escolas – Kiko Dinucci e Edgar
Cadeira  – Luiza Lian
Bluesman – Baco Exu do Blues
Que estrago – Letrux
Cota não é esmola – Bia Ferreira
Espectro – Tantão e os Fita
Líquida – Edgar
Corpo / Sujeito – Daniel Haaksman e Cibelle
Escalafobética – Anelis Assunção
Pro Patrão – tradução por Juçara Marçal da música Pour le patron de Brigitte Fontaine e Areski Belkacem

O objetivo era a tradução intersemiótica da canção em imagem, um cartaz. Aqui foi onde o processo como um todo se uniu, onde xs alunxs estavam livres para interpretar a música inteira ou pegar alguma frase, palavra, passagem específica. A maioria dos alunos não conheciam os artistas, e acabaram escolhendo as músicas de acordo com o desejo de compartilhar a mensagem.

alunxs
Janaína Camoleze
Marina Urias
Isabela Costa
Felipe Lobo
Leusenice Debeus
Ana Beatriz Beckmann
Danni Jordan

+ sobre a identidade visual da ‘vkhutemas: o futuro em construção’

Na galeria de imagens, o resultado dos cartazes compostos nesses dois dias. Agradecemos a presença e dedicação de todxs participantes. Foi uma experiência muito rica ver as interpretações e composições de cada um/a.

1. Joana Dark, música Ava Rocha detalhe
2. Banho, de Tulipa Ruiz (esq.)  e a frase Sob a mesa, /atrás do armário, água. /Do sofá, /de água ensopada, /rumo a janela navegou a mala. /Chaminé… /Bituca… /Eu mesmo joguei.  trecho do livro Sobre Isto (dir.)
3. Entre as nuvens amadureceu o melão lunar, /obscurecendo a parede lentamente. trecho so livro Sobre Isto
4. Preciso /ventilar um pouco a cabeça /vou, /vou, aonde me estabeleça. trecho do livro Sobre Isto
5. Bate mais, música, Laura Diaz
6. e 7. Sob a mesa, /atrás do armário, água. /Do sofá, /de água ensopada, /rumo à janela navegou a mala /Chaminé… /Bituca… /Eu mesmo joguei. trecho do livro Sobre Isto
8. e 9. Pro Patrão – tradução por Juçara Marçal da música Pour le patron de Brigitte Fontaine e Areski Belkacem
10. Preciso /ventilar um pouco a cabeça /vou, /vou, aonde me estabeleça. trecho do livro trecho do livro Sobre Isto, Vladímir Maiakovski.

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Em 2018 tive o prazer de conhecer algumas pessoas por trás da maravilhosa balaclava records – selo, produtora musical e revista da cena indierock em sp. Um dia, conversando com Fernando Dotta e com a Helô Cleaver, resolvi elogiar a revista balaclava, que estava na sua segunda edição. ao ter contato com uma revista – gratuita – sobre a cena musical, em sua maioria independente e atual, me veio a importância desse veículo (cada vez mais obsoleto, pelo menos no brasil), dando voz e visibilidade aos artistas. Me impressionou a qualidade e o cuidado do conteúdo editorial, das fotografias, tudo. É cada vez mais importante vermos as pessoas engajadas na cena de música independente, e a revista tem um importante papel nisso. a revista balaclava mostra o dia dia dos artistas, entrevistas e conversas entre bandas, além de falar sobre as experiências (e os perrengues) dos músicos, sejam eles independentes ou não.

Nessa conversa com a Helô, começamos a analisar juntas algumas coisas que poderiam eventualmente mudar para a terceira edição. Foi nessa troca que ela me convidou para fazer parte do time como designer e diretora criativa. fiquei extremamente feliz e realizada com o convite, pois diagramação é o que mais tenho estudado no design gráfico atualmente. Logo comecei a perceber o desafio (e a responsabilidade) que seria aplicar algumas modificações na revista, por exemplo, no formato e tipo de papel.

Foi um processo intenso, pois como haviam algumas mudanças estruturais, tive que entrar de cabeça no mundo das revistas. Tive muito a ajuda da Isabella Yu, que assina a direção editorial e já passou por algumas revistas da editora abril. Convidei a designer e ilustradora Adriana Komura para me ajudar com a diagramação e ilustração, e também a continuar esse mergulho no mundo das revistas.

Esse encontro me abriu muito a entender as diferenças entre fazer um projeto gráfico de um livro e o de uma revista. com total liberdade criativa, começamos a entender se iríamos para um caminho linear, onde todas as matérias teriam as mesmas “caras” ou se partiríamos de cada matéria separada. Escolhemos a segunda opção, pois percebemos que mesmo a maioria das matérias serem entrevistas, cada uma tinha sua peculiaridade, seu estilo musical, etc.

O resultado foi uma mistura de linguagens que se conectaram com as tipografias escolhidas para essa edição, que foi a Eksell, Akkurat e EB Garamond. A primeira era a tipografia de títulos principais e abre dos capítulos. a Akkurat, uma tipografia sem serifa que foi utilizada no corpo do texto e em alguns casos, junto a Garamond, uma tipografia serifada, diferenciando as vezes as perguntas e respostas das entrevistas.

O formato de 16,5 x 24 cm, um pouco maior que as duas primeiras foi pensado para que ela tivesse mais respiro entre as manchas de texto/imagens. Imprimimos no papel couché, pela gráfica Elyon com a assistência e o cuidado do Augusto Pereira.

Foi muito importante participar desse processo e conhecer melhor o trabalho da Yu, Helô e da Dri, além de me fazer continuar cada vez mais essa pesquisa no meio do mundo editorial e ver o impacto que tem sido ver as pessoas consumirem um conteúdo rico sobre a cena musical atual. 

click aqui para ver a revista balaclava #3

instagram revista balaclava
facebook balaclava records

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Sediada no Memorial da Resistência de novembro de 2018 a abril 2019, a exposição foi composta por dois corredores com os temas apagamento e resistência. Ambos repletos de imagens, objetos e depoimentos, em sua maioria, captados pela própria população indígena, revelando a experiência de ser essa cidade – apesar de um processo histórico de apagamento, e por meio de uma resistência já secular (que muitos desconhecem).

Formamos uma equipe responsável pela produção, identidade visual, sinalização e ilustração. A identidade visual foi desenvolvida com o intuito de traduzir a urgência das falas dos povos indígenas expressas nos painéis e pilares do espaço expositivo. A tipografia escolhida foi a Allerta e Allerta Stencil,  cujo os caracteres foram minuciosamente projetados para serem compreendidos de uma maneira mais rápida: como seu próprio nome diz, um alerta. Foram utilizadas as cores branco, cinza chumbo e vermelho urucum nas tipografias e nos fundos dos painéis, dando destaque ao conteúdo escrito da exposição – a voz dos povos indígenas – e invocando o caráter de urgência inerente à luta indígena.  

–

equipe
ana david
andré stefanini
christian salmeron
lauro rocha
paula marujo

fotografia
victoria braga

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ficha técnica

mediação-curatorial
daniel kairoz
marília bonas

assessoria curatorial
casé angatu xukuru tupinambá

mediação com povos indígenas
alaide pankararé
alex kaimbé
avani fulni-ô
casé angatu xucuru tupinambá
clarisse pankararu
dhevan gwyrá dju
ivone pankararu
índio badaróss
jaguarete
jera guarani
pajé guaíra
pajé laguna
paulo wassu cocal
pedro pankararé
sonia barbosa
tamikuã txih
txairon fulni-ô
wiryçà kariri xocó

vídeo retratos (direção, captação e edição)
daniel kairoz
isadora brant

conversão dos vídeos
lucas rangel

expografia
marília gallmeister

produção
ana flávia de carvalho
daniel kairoz
luiza giandalia
paula marujo 

projeto gráfico
ana david 

tratamento e edição de imagem
andré stefanini
christian salmeron
lauro rocha 

comunicação visual
water vision

agradecimentos
amanda signori
andre okuda
ariane RL
arquivo público do estado de são paulo – APESP
benedito prezia
cafira zoé
caio richard
caio silva ferraz
camila mota
carmen lopes
centro de trabalho indigenista – CTI
comissão guarani yvyrupa – CGY
comissão pró-índio de são paulo – CPISP
conselho indigenista missionário – CIMI
eduardo duwe
equipe de projetos culturais da pinacoteca do estado de são paulo
érico coelho de melo
gabriela aidar (pinacoteca do estado de são paulo)
gabriela batista
heloisa bio
instituto bixiga
instituto socioambiental josé maurício arruti julia gimenes
lídia pankararu
lorraine maciel
lucas keese dos santos
maurício pinheiro
mariangela sena
museu da imigração do estado de são paulo
natália farias
raphael escobar
rodrigo brucoli
roney freitas
salvador kamakan
teat(r)o oficina uzyna uzona
tenonderã ayvu
thea
victor parolin
vinícius toro
vivência na aldeia
xejaride virgínia
xeramoi papa

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Achamos importante criarmos um cartaz especificamente para esse evento, por se tratar de um assunto político, de injustiças e resistência. Convidei o artista parceiro da Goma, Fernando Banzi para fazermos algo que tivesse uma relação direta aos 23 condenados injustamente por participarem dos protestos que ocorrerem no ano em que o Brasil cediou a copa do mundo, no Rio de Janeiro. De acordo com as leis da FIFA, cada seleção pode convocar no total, 23 jogadores para a seleção oficial, o mesmo número de condenados. Lembrando o episódio da foto oficial de 2002, segundo o volante Vampeta, não havia até o presente momento uma foto com os 23 jogadores. Seu ato de rebeldia, quebrando o protocolo da FIFA, foi chamar os outros jogadores, além dos usuais 11, para a foto oficial. Usamos o resultado como base para a nossa intervenção, reforçando o caráter de resistência da memória, pois caso contrário, os 23 não seriam lembrados.

divulgação acervo FIFA

Tranformamos a foto hiatórica, agora em azul, e com intervenção digital, inserimos balaclavas em todos, sugerindo que eles na verdade  eram os 23 condenados naquele momento. O nome de cada condenado injustamente nas manifestações surge escorrendo em vermelho, junto ao alvo no escudo da CBF e o título do cartaz: VINTETRÊS. Imprimimos em risografia, pela Risotropical.

Após a exibição do documentário “Operações de Garantia da Lei e da Ordem” rolou uma conversa com a Joana D’arc Ferraz,  Igor Mendes, Giselle Beiguelman, Acácio Augusto, Peter Pál Pelbart e Vladmir Safatle.

Gostaríamos de agradecer a editora n-1 pela oportunidade e pelo seu rico trabalho e a Casa do Povo por ceder os espaços de resistências. Temos os prints disponíveis na goma oficina e na editora n-1.

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Como ativação da nossa ocupação Funarte SP e imersão no processo da anti-exposição Vkhutemas: o futuro em construção 1918 – 2018, curadoria de Neide Jallageas e Celso Lima, surgiu a vontade, em conjunto a diretora de fotografia Aline Belfort, em projetarmos filmes soviéticos para compreendermos melhor como eles eram produzidos naquela época.

Conhecemos a Aline no processo da exposição, onde ela captou imagens e processos da goma oficina e outros artistas participantes. Ela, que morou e estudou cinema na Rússia, adorou a ideia de fazemos a mostra, e fez uma curadoria de 4 filmes que representariam a época pós-revolução e a tomada do Stálin no poder. Com apoio da Funarte SP foi possível realizarmos as sessões ao ar livre e sem custo para o público.

Surge então a nossa mostra Kinoglaz, , que vem do nome de uma série de documentários dirigidos pelo diretor Dziga Vertov que, em 1924, queria mostrar a nova realidade soviética com um olhar cinematográfico, podendo ser traduzida como “olhar de cinema” ou “olho cinema”. 

Cronologicamente foram projetados os filmes Greve, 1924, de Sergei Eisenstein; O Homem com a Câmera na Mão, 1929, do diretor Dziga Vertov; Terra, 1930, do diretor Aleksandr Dovzhenko e Rapazes Felizes, 1934, o primeiro musical soviético, do diretor Grigory Aleksandrov. Cada filme tem um universo único, por serem de épocas e diretores diferentes, e com o cenário político da época mudando constantemente.

Cartaz do filme Greve, Anton Lavinsky.

O filme Greve, de Eisenstein, deu início a nossa mostra. Um filme emocionante baseado em uma greve fortemente reprimida ocorrida na Rússia pré-revolucionária, no início do século XX, mostra com um teor político e através de ideias refinadas do cinema em seus primeiros passos experimentais o cotidiano da fábrica, as injustiças cometidas pelos empregadores e fiscais de trabalho, a ação da greve, os dias ociosos fora do trabalho, a formulação da lista de exigências pelos trabalhadores, o “contra-ataque” dos acionistas da fábrica e o massacre aos manifestantes.

Cartaz do filme O Homem com a câmera na mão, Vladímir e Geórgui Stenberg.

O homem com a câmera na mão, de Vertov, foi o segundo filme da mostra. A noite estava fria, e a Funarte nos cedeu a sala Guiomar Novaes, que foi uma ótima solução para um filme tão importante e impactante. O filme é baseado na ideia de observar o curso integral da vida – conectar o que é inseparável: o homem e a máquina. A montagem joga com elementos opostos – nascimento e morte, encontros e despedidas, trabalho e lazer. A trilha sonora é impecável, do Michael Nymann.

Cartaz do filme Terra, Vladímir e Geórgui Stenberg.

Terra, de Dhovzenko, foi o terceiro e mais poético filme da mostra. O filme questiona os ciclos naturais, como a vida e a morte, a violência, o sexo, nas fazendas coletivas, em uma visão idealista de comunismo feita antes de Stálin.  Terra foi visto negativamente por muitos soviéticos por causa de sua exploração da morte e outras questões obscuras que vêm com a revolução, o tornando extremamente interessante, com atuações impecáveis.

Cartaz do filme Rapazes Felizes, Iosif Vasilyevich.

O último filme foi o Rapazes Felizes, de Aleksandrov. O filme é de 1934, um pouco depois da chegada do som no cinema. Isso fez com que a linguagem dos filmes tivessem que se adaptar. Aleksandrov e Eisenstein eram parceiros de há muito e foram juntos para os Estados Unidos para estudar essa tecnologia. Aleksandrov ao chegar lá conheceu os musicais, broadway e além de todo o estudo de mercado e de tecnologias, resolvendo então aplicar esse conceito, que fazia um tremendo sucesso em Hollywood nos filmes soviéticos. Com o filme “Rapazes Felizes” ele pode experimentar essa linguagem, que foi um sucesso absoluto, se tornando um dos diretores mais amados da União Soviética na época. O filme é extremamente divertido, repleto de ironias, um humor único e com uma atuação impecável.

Agradecemos à todos que prestigiaram a nossa mostra-processual, Aline Belfort pela parceria, a Maria Ester, Ricardo, Alexandre e Anderson, da Funarte SP, pelo apoio a esse e outros projetos Chris Salmeron e Victoria Braga, que apoiaram a produção e divulgação do Kinoglaz.

O post kinoglaz mostra de cinema soviético ao ar livre apareceu primeiro em goma oficina.

Ela me chamou para fazermos alguns fac-símiles desse caderno. O desafio era escanear aproximadamente 2,5 m de caderno e fazer o desenho contínuo bater direitinho. A Rê acompanhou o processo bem de perto, um privilégio pra quem fica quase um ano sem se ver. 

O texto sobre o verbo criado – o michouinar – já estava na cabeça dela, e foi escrito a mão e igualmente escaneado. Depois veio o projeto de como fazer o livro sanfonado sem perder a característica do original, que foi resolvido estudando o moleskine e as possibilidades com a gráfica.

A única diferença do fac-símile com o original foi a capa. Optamos por uma capa independente, em papel kraft, com grafismos igualmente feitos na hora e escaneados.

                   
Foi em um curto período que conseguimos fazer o Michouin nascer, e eles precisavam ficar prontos para que ela pudesse levar algumas cópias para a França. No fim, deu certo, algumas cópias foram com ela, outras com o Dé, amigo que partiu para a mesma aventura circense que a Rê.

Fico muito feliz com esses encontros, pessoas que mesmo distantes estão em nós. Agradeço imensamente a Rê – ou melhor, Renata La Rana – pela amizade, parceria e confiança em transformar sua arte e levá-la para o mundo.

Conheça os projetos circenses de Renata La Rana
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sobre a janela goma oficina

*para adquirir um Michouin para chamar de seu, mande um email para ana@gomaoficina.com
**fotos dos fac-símiles por Fernando Banzi

O post michouinar, por renata la rana apareceu primeiro em goma oficina.

Imagens acima: primeiros estudos com mesa de luz e engarrafando memórias.

O formato escolhido foi o do zine clássico, com dobraduras e recortes, que pode ser utilizado com cartaz ou livreto, no formato 10 x 13,8 cm. De um lado combinei as plantas e as pedras por “temas” cromáticos, e do outro, criei uma composição com tudo ao mesmo tempo, isso tudo no papel pólen bold. O zine esgotou rapidamente, então como desdobramento disso, resolvi fazer um cartaz botânico monocromático azul, que foi impresso em risografia no papel pólen. 

É extremamente novo e gratificante para mim ver meus afetos catalogados e eternizados por aí, nas casas de amigos e desconhecidos.

Cartazes disponíveis no link.

O post catálogo de afetos apareceu primeiro em goma oficina.

os três primeiros são de Abilio Guerra, Carlos Teixeira e Otavio Leonidio. uma honra poder contribuir com o projeto gráfico, para essa parceria editorial entre a Romano Guerra Editora, de São Paulo, e a Nhamerica Platform, de Austin

O post pensamentos da américa latina apareceu primeiro em goma oficina.