Anna Bokov é pesquisadora e historiadora, realizou seu Phd em Yale, e na última década se debruçou em investigar um dos principais departamentos da escola, o chamado Departamento Principal, que seria o ciclo inicial dos dois primeiros anos dos Vkhutemas. Assim como na Bauhaus, o ciclo básico era uma parte importante do currículo. Os laços entre as duas escolas eram fortes, sendo inúmeras trocas entre professores e experiências, ocorridas ao longo dos anos 1920. Contudo os Vkhutemas apresentavam um número muito maior de alunos (cerca de 10 vezes maior), que além de oriundos do operariado eram ⅓ mulheres. Bokov afirma no livro que a invisibilização em relação à escola alemã se deu no ocidente, entre outros fatores, após Alfred H. Barr Jr., fundador e diretor do MoMA (Museu de Arte Moderna de Nova Iorque) não mencionar a existência da escola, em uma série de exposições em que apresentou artistas russos da vanguarda entre elas a canônica exposição “Cubismo e Arte Abstrata”, em 1936. Mesmo tendo completo conhecimento da existência da escola, e tendo visitado-a ao menos 3 vezes seus, durante uma estadia longa que realizou em Moscou. 

Os Vkhutemas se encerram em 1930, tendo uma curta duração de apenas 10 anos, contudo seu legado é inestimável e se apresenta cada vez mais como imprescindível para a história da arte, arquitetura e design que sucedeu ao longo do século XX. O livro apresenta fotografias e traduções inéditas como exercícios originais dos professores Alexander Rodtchenko e Nikolai Ladóvski, assim como textos críticos, e conta com prefácio de Kenneth Frampton e Alexander Lavrentiev.

A pesquisa de Bokov é robusta e busca aprofundar alguns aspectos da escola apresentados de maneira introdutória no livro “Vkhutemas” (1990) de Khan-Magomedov. Ela se debruça mais especificamente no chamado “método objetivo”, que visava facilitar o ensino em grande escala. O programa pedagógico dos Vkhutemas combinava ideias e práticas acadêmicas tradicionais com outras da recente era industrial dando início a um novo tipo de pedagogia experimental que intensifica a troca entre alunos e educadores. 

Vale dizer que no final do ano passado foi lançado o primeiro livro em português sobre a escola, com autoria de Neide Jallageas e Celso Lima pela editora Kinorruss. Para quem se interessar em se aprofundar no tema, o livro apresenta um panorama bem completo sobre a escola e suas irradiações.

A conversa no dia 03, na próxima segunda feira às 17h00, se dará entre Anna Bokov, o professor da FAUUSP Luís Antônio Jorge e a aluna do programa de pós-graduação da FAUUSP e professora da Escola da Cidade, Maria Cau Levy. O evento será todo em inglês.

confira o vídeo aqui:

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Além da recriação das maquetes que estão presentes na mostra (mais informações aqui), a Goma foi responsável pela identidade visual e sinalização que desenvolveu em conjunto com o estúdio Lógos (saiba mais).

A expografia assinada por Ricardo Amado adotou uma nova estratégia para o suporte do conteúdo, que consistiu em painéis de MDF no lugar das grades metálicas utilizadas previamente nos Sescs Pompéia e Rio Preto. Essa alteração nos fez buscar outras soluções de fixação que utilizassem os furos já presentes nas placas – é importante destacar que toda a comunicação visual foi pensada para poder ser reutilizada, por isso a escolha das placas soltas. Por isso, escolhemos um percevejo preto para se encaixar nessa furação, respeitando o partido do projeto de sinalização: a ideia de um ateliê em uso, como se os artistas tivessem acabado de prender desenhos e fotos na parede)

Nos adesivos, escrevemos o nome da escola com uma tipografia que criamos “responsiva” (que se adapta facilmente à diferentes formatos), que nos permitiu brincar com os formatos do guarda corpo e portas de vidro, preenchendo visualmente o espaço e sinalizando a mostra pra quem a vê de longe. 

As maquetes de Leonídov, Miélnikov, Ródchenko e Maliévitch foram montadas novamente, e uma equipe de três pessoas se empenhou em reconstruir o Monumento à III Internacional de Vladimir Tátlin – também conhecido como Torre Tátlin.

A mostra está aberta de 8 de outubro de 2018 à 12 de janeiro de 2019, no térreo do Sesc Sorocaba.

Fotos Lauro Rocha

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O LP foi feito com a mesma faca do álbum branco, versão que o Tim tinha. É uma das primeiras prensagens, com um bolso único grande, onde ficam os dois envelopes. O acabamento é laminação brilhante e alto relevo (imagem abaixo).

Das capas que não foram, dessas que a gente sempre ama, e que nunca mostra. Eu tava nessa viagem que esse disco todo falava sobre movimento, deslocamento. E ai resolvi usar de referência a identidade do metrô de Nova Iorque do Vignelli. Mas os meninos não acharam que era exatamente isso. Eu ainda fico na dúvida qual prefiro 🙂

São dois envelopes internos no disco. Um com as letras frente e verso criando esse mar de palavras, fixado pelo topo, como se tivessem penduradas, e o outro com ficha técnica e a foto do Biel com o outro lado branco. Esse projeto a gente usou o branco e a ausência sem medo.

O CD foi feito com um único furo, de modo que a partir da rotação do encarte interno, se possibilita 4 cores de capa: azul, amarelo, vermelho e branco. Achei importante usar o mesmo tamanho de fonte do LP, e não apenas mimetizar a mesma capa, só que menor. Brincar com as diferente escalas das peças gráficas tem sido algo que tenho buscado nas minhas últimas pesquisas. Acho que muitas vezes a gente se atenta pouco a natureza das peças gráficas, seus diferentes tamanhos, possibilidades e limitações visuais. Um CD com 12cm é diferente de um LP com 31cm, e isso muda tudo! Cada vez menos eu tenho vontade de reproduzir capas digitalmente e impressas em formatos distintos, como se fossem a mesma imagem. Porque elas não são, a experiência de quem pega um CD é diferente de quem pega um LP. E foi muito massa que os meninos toparam essa comigo.

O manuseio do CD foi feito na gráfica de maneira aleatória (girando o encarte conforme queriam convinha), o que resultou em 4 capas distintas. Na imagem abaixo as possibilidades.

Para escutar o disco clica aqui.

Agradecimentos a Christian Salmeron, que sempre faz minhas produções gráficas, a Mari Marçal <3 empresária dos meninos e muito querida, e a Biel, Tim e Peixe, amigos queridos.

A gente no Canoa, gravando o coro para a música Bielzinho/Bielzinho. Ana Frango, Tulipa, Tim, Peixe, Lú, Cau e Maria. Foto do Gui Jesus

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Panapaná significa coletivo de borboletas. por acaso no inicio do ano tinha tirado num tarô a carta da borboleta. Coincidência ou acaso tinha feito esse desenho mesmo antes do Pedro me fazer esse convite (abaixo).

O projeto gráfico buscou traduzir a capacidade da borboleta de se encasular para criar asas e voar. Aproveite a viagem.

Fotos still por Rodrigo Lins.

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No primeiro dia apresentamos um breve panorama sobre a produção gráfica soviética a partir dos cartazes e estamparia presentes na exposição, com o objetivo de identificar os mesmos como um potente veículo de comunicação. Passando pelas técnicas de colagem, estamparia e poesia concreta, apresentamos a importância da semiótica e da composição quando queremos comunicar algo.

Como processo, a ideia foi de interpretar uma mensagem e transformá-la em imagem, criando então uma terceira mensagem – a gráfica. Esse processo foi baseado nas colagens realizadas por Rodtchenko para o livro Sobre Isto, de Vladímir Maiakovski, que as transformou em cenas, como um fragmento de um filme. Os materiais disponíveis eram revistas e jornais antigos utilizados para recortes.As frases selecionadas foram:

I. Preciso /ventilar um pouco a cabeça /vou, /vou, aonde me estabeleça.
II. Sob a mesa, /atrás do armário, água. /Do sofá, /de água ensopada, /rumo à janela navegou a mala. /Chaminé… /Bituca… /Eu mesmo joguei.
III. Entre as nuvens amadureceu o melão lunar, /obscurecendo a parede lentamente.

Como um primeiro exercício, selecionamos três frases do livro Sobre Isto e para traduzirmos em colagem. Foram desenvolvidos cartazes em formato A3 pelos alunxs e expostos para analisarmos as interpretações de cada um sobre esses trechos.

No segundo dia listamos algumas composições musicais de artistas contemporâneos, com mensagens urgentes e políticas, sendo elas:

Joana Dark – Ava Rocha, Vitor Hugo, Gabriela Carneiro da Cunha
Febre – Ava Rocha
Banho – Tulipa Ruiz
Mulher limpa – Juliana Perdigão e Angélica Freitas
Bate mais – Teto Preto
Rainha – Maria Beraldo
Revirá – Bruno Schiavo
Chocolate – Ana Frango Elétrico
Mulher do fim do mundo – Romulo Fróes
Um olho aberto – Mariá Portugal
João três filhos – Dinho Almeida
Exu nas escolas – Kiko Dinucci e Edgar
Cadeira  – Luiza Lian
Bluesman – Baco Exu do Blues
Que estrago – Letrux
Cota não é esmola – Bia Ferreira
Espectro – Tantão e os Fita
Líquida – Edgar
Corpo / Sujeito – Daniel Haaksman e Cibelle
Escalafobética – Anelis Assunção
Pro Patrão – tradução por Juçara Marçal da música Pour le patron de Brigitte Fontaine e Areski Belkacem

O objetivo era a tradução intersemiótica da canção em imagem, um cartaz. Aqui foi onde o processo como um todo se uniu, onde xs alunxs estavam livres para interpretar a música inteira ou pegar alguma frase, palavra, passagem específica. A maioria dos alunos não conheciam os artistas, e acabaram escolhendo as músicas de acordo com o desejo de compartilhar a mensagem.

alunxs
Janaína Camoleze
Marina Urias
Isabela Costa
Felipe Lobo
Leusenice Debeus
Ana Beatriz Beckmann
Danni Jordan

+ sobre a identidade visual da ‘vkhutemas: o futuro em construção’

Na galeria de imagens, o resultado dos cartazes compostos nesses dois dias. Agradecemos a presença e dedicação de todxs participantes. Foi uma experiência muito rica ver as interpretações e composições de cada um/a.

1. Joana Dark, música Ava Rocha detalhe
2. Banho, de Tulipa Ruiz (esq.)  e a frase Sob a mesa, /atrás do armário, água. /Do sofá, /de água ensopada, /rumo a janela navegou a mala. /Chaminé… /Bituca… /Eu mesmo joguei.  trecho do livro Sobre Isto (dir.)
3. Entre as nuvens amadureceu o melão lunar, /obscurecendo a parede lentamente. trecho so livro Sobre Isto
4. Preciso /ventilar um pouco a cabeça /vou, /vou, aonde me estabeleça. trecho do livro Sobre Isto
5. Bate mais, música, Laura Diaz
6. e 7. Sob a mesa, /atrás do armário, água. /Do sofá, /de água ensopada, /rumo à janela navegou a mala /Chaminé… /Bituca… /Eu mesmo joguei. trecho do livro Sobre Isto
8. e 9. Pro Patrão – tradução por Juçara Marçal da música Pour le patron de Brigitte Fontaine e Areski Belkacem
10. Preciso /ventilar um pouco a cabeça /vou, /vou, aonde me estabeleça. trecho do livro trecho do livro Sobre Isto, Vladímir Maiakovski.

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Nós começamos com um orçamento baixíssimo, e eu desenhei um grande cartaz que dobrado resultava no 12,5×12,5cm (tamanho de um CD). Alteramos para uma arte de caixinha de DVD pois eles queriam trazer um ar da precariedade plástica, e da própria obsolescência do CD (ironia da música Glória, que dá nome ao disco). Muito bate cabeça em 7 pessoas, pouco tempo e dinheiro depois, terminamos por desenhar uma caixinha de papel com 4 painéis. A foto é do Biel Basile, ele fez um auto retrato da banda, em 3 fotos contínuas no rolo do filme. Revelamos com o Gibo. Desde a primeira versão da arte, quando era um grande cartaz, a ideia era usar apenas duas cores: magenta e preto, primeiro por uma questão de custo de impressão e segundo pois a foto do biel tinha muito vermelho, então funcionava como uma espécie de filtro, sem perder informações da imagem. Mantivemos essa ideia, e fizemos a longa foto do biel como fotos-sequência de um filme, divididas entre os 4 painéis, e o conteúdo textual como uma legenda desse filme (ideia do JB).

Quem quiser escutar o som deles, vai em algum clássico almoço de sábado na Casa de Francisca. Aproveite e compre um cd 🙂

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Fronteira Livre foi um processo/projeto desenvolvido para a 11ª Bienal de Arquitetura SP Em Projeto, que resultou em intervenção pública em seis estações do Metrô de São Paulo, de Outubro a Dezembro de 2017. O processo foi realizado através da colaboração entre ativistas, arquitetos, assistentes sociais e artistas de diversos países em uma parceria principal entre a Goma Oficina e o CAMI Centro de Apoio ao Imigrante e Refugiado.

A intervenção foi resultado de dez dias de imersão no CAMI, em que foram realizadas dinâmicas relacionadas ao tema FRONTEIRA LIVRE (título da 10a Marcha da Imigração de São Paulo de 2016). Os primeiros três dias consistiram em dinâmicas de grupo e debates para a construção de narrativas coletivas: dia 1 “história do eu”, dia 2 “história do nós”, dia 3 “história do agora”. Após essas dinâmicas chegamos em seis mensagens síntese – pontos de convergência das narrativas individuais e coletivas – que o grupo desejava comunicar para os usuários das seis principais estações de metrô da linha vermelha: Barra Funda, República, Sé, Brás, Tatuapé e Itaquera.

Valendo-se de metodologia de tradução intersemiótica – que consiste em interpretar palavras e sentimentos e traduzi-los em meios não verbais – os conceitos subjetivos levantados pelo grupo como invisibilidade, medo, voz, limite e rompimento foram transformados em padrões geométricos e cores, estampando seis faixas/fronteiras de 6mX0.75m. As faixas foram fixadas no alto dos largos corredores de alta circulação nas emblemáticas estações do Metrô, de modo a representar em si uma fronteira a ser cruzada diariamente por milhões de pessoas.

Esse ano o projeto foi contemplado com o prêmio na Bienal Iberoamericana de Desenho na categoria Diseño y Participación ciudadana / UCCI. 

O evento ocorrerá no Matadero em Madrid de 26 a 30 de novembro de 2018.

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fronteira livre | 11a bienal de arquitetura
fronteira livre na exposição imaginário da cidade
história do nós
intervenção leva debate sobre a imigração e fronteiras ao metrô

Entrevista para a embaixada brasileira em madrid. Na foto Gabriela Forjaz, Maria Cau Levy e Alexander Furunes.

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Os diretores musicais foram Arthur Decloedt e Charles Tixier, com curadoria de Alexandre Matias. Eles não queriam nada muito cheio de cores, que fizesse alusão a esse lado multicolorido da tropicália, como é forte características das muitas artes de Rogério Duarte (responsável por grande parte das capas de disco dessa época).

Buscamos referência na poesia concreta, que muito trocou com o movimento tropicalista. A escolha de destacar o O em uma fonte serifada bem modulada, foi utilizada representando o orgasmo do poema Organismo de Décio Pignatari.

Organismo, Décio Pignatari, 1960, obra que originou a composição Organismo, 1961, de Duprat

A escolha do uso da foto do pinico foi uma escolha a partir da colocação dos diretores, de que poucos reconhecem o rosto de Duprat. A escolha foi para lembrar que além do ar professoral, por ser um dos mais velhos da turma da tropicália, Duprat também tinha muito humor.

O jogo das cores magenta e amarelo que somam no vermelho, foi uma referência ao emblemático cartaz da época com arte de Rogério Duarte do filme de Glauber “Deus e o Diabo na Terra do Sol”.

Cartaz de Rogério Duarte, 1964

Uma pequena homenagem ao Cinema Novo, a Tropicália e a Poesia Concreta.

A banda foi: Tiê, Tim Bernardes, Thiago França, Chicão, Mariá Portugal, Maria Beraldo, Luiza Lian, Jonas Sá, Jaloo, Filipe Nader, Curumin, Charles Tixier, Arthur Decloedt e André Vac. <3

Quem quiser ouvir o show, segue o link: https://www.mixcloud.com/olvecioestavala/professor-duprat-maestro-da-invenção/

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encarte. foto fernando banzi

“Uma pedra preciosa, mas ao mesmo tempo apenas um volume que preenche uma folha em branco ou o espaço. A matemática é a melhor pista. Maria Cau Levy, artista plástica, arquiteta e designer que assinou a arte do disco, tem desenvolvido uma pesquisa fascinante que envolve padrões, repetição, formas geométricas, música e matemática.” Música de Selvagem pela Bravo

estudos e experimentações. foto acervo pessoal

Inicialmente a arte seria um cartaz dobrado em formato de envelope. Experimentamos em papel kraft e papel vegetal – que seria interessante por conta das transparências e sobreposições. Contudo de última hora o selo português Shhpuma topou lançar o disco, e tivemos quer nos adequar a faca padrão deles. (imagem abaixo)

testes de papel. foto fernando banzi

Os primeiros croquis surgiram através de um livro lindo que Ana David me deu sobre cristalografia. O livro em espanhol, hablava das estructura de los cristales, de la temperatura, la piroelectricidad, los intervalos, los metales cargados positivamente. Fiquei recortando formas e palavras, palavras e formas. Me deu vontade de jogar com elas no papel, sendo as palavras como formas e as formas como palavras.

colagens de estudo. foto acervo pessoal

Depois dessas viagens eu fui para o computador, e ouvindo o som, comecei a desenhar os sólidos fantásticos dentro de uma grade milimetrada. Desconstruindo os sólidos platônicos e criando cristais imaginários. Quis jogar com esse som que tanto mexe comigo, em um lugar irracional e simultaneamente tão dentro de um universo ordenado, que inicia com o próprio pulsar do tempo.

encarte. foto fernando banzi

banda. foto biel basile

Para escutar:

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formato 49x49cm. agradecimentos especiais ao fotógrafo Fernando Banzi e ao Fernando da Origemart.

wall drawings, dia beacon, 2017

Tivemos uma dificuldade de entender o tamanho da nossa grade. Alguns testes depois chegamos no nosso tamanho. Que também foi limitado pelo formato máximo da tela serigráfica.

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