Anna Bokov é pesquisadora e historiadora, realizou seu Phd em Yale, e na última década se debruçou em investigar um dos principais departamentos da escola, o chamado Departamento Principal, que seria o ciclo inicial dos dois primeiros anos dos Vkhutemas. Assim como na Bauhaus, o ciclo básico era uma parte importante do currículo. Os laços entre as duas escolas eram fortes, sendo inúmeras trocas entre professores e experiências, ocorridas ao longo dos anos 1920. Contudo os Vkhutemas apresentavam um número muito maior de alunos (cerca de 10 vezes maior), que além de oriundos do operariado eram ⅓ mulheres. Bokov afirma no livro que a invisibilização em relação à escola alemã se deu no ocidente, entre outros fatores, após Alfred H. Barr Jr., fundador e diretor do MoMA (Museu de Arte Moderna de Nova Iorque) não mencionar a existência da escola, em uma série de exposições em que apresentou artistas russos da vanguarda entre elas a canônica exposição “Cubismo e Arte Abstrata”, em 1936. Mesmo tendo completo conhecimento da existência da escola, e tendo visitado-a ao menos 3 vezes seus, durante uma estadia longa que realizou em Moscou. 

Os Vkhutemas se encerram em 1930, tendo uma curta duração de apenas 10 anos, contudo seu legado é inestimável e se apresenta cada vez mais como imprescindível para a história da arte, arquitetura e design que sucedeu ao longo do século XX. O livro apresenta fotografias e traduções inéditas como exercícios originais dos professores Alexander Rodtchenko e Nikolai Ladóvski, assim como textos críticos, e conta com prefácio de Kenneth Frampton e Alexander Lavrentiev.

A pesquisa de Bokov é robusta e busca aprofundar alguns aspectos da escola apresentados de maneira introdutória no livro “Vkhutemas” (1990) de Khan-Magomedov. Ela se debruça mais especificamente no chamado “método objetivo”, que visava facilitar o ensino em grande escala. O programa pedagógico dos Vkhutemas combinava ideias e práticas acadêmicas tradicionais com outras da recente era industrial dando início a um novo tipo de pedagogia experimental que intensifica a troca entre alunos e educadores. 

Vale dizer que no final do ano passado foi lançado o primeiro livro em português sobre a escola, com autoria de Neide Jallageas e Celso Lima pela editora Kinorruss. Para quem se interessar em se aprofundar no tema, o livro apresenta um panorama bem completo sobre a escola e suas irradiações.

A conversa no dia 03, na próxima segunda feira às 17h00, se dará entre Anna Bokov, o professor da FAUUSP Luís Antônio Jorge e a aluna do programa de pós-graduação da FAUUSP e professora da Escola da Cidade, Maria Cau Levy. O evento será todo em inglês.

confira o vídeo aqui:

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O projeto gráfico do livro Arquiteturas Contemporâneas no Paraguai foi realizado pelos próprios organizadores do livro, o coletivo Goma Oficina, o que possibilitou uma maior integração entre a concepção do design e a pesquisa crítica apresentada. As obras paraguaias selecionadas no livro se destacam pela experimentação com materiais ordinários, resultando em intervenções extremamente contemporâneas, heterogêneas e propositivas.

Tivemos a preocupação de deixar aparente os elementos construtivos do livro (papel, dobra e costura), revelando ao máximo sua estrutura, e remetendo a sensação tátil que a própria arquitetura paraguaia provoca. Os materiais escolhidos foram os mais comuns disponíveis no mercado, utilizados sem acabamentos e grandes refinamentos.

A escolha de uma quinta cor especial, o laranja neon, aparece como a representação do barro – elemento importante do repertório construtivo guarani. Já a folha gráfica foi diagramada em seu tamanho original (96×66) de modo a explorar a incidência das dobras na composição gráfica das imagens e títulos de capítulos. As tipografias utilizadas (com e sem serifa) revelam o contraste entre o novo e o antigo, e são apoio para a disposição do conteúdo bilíngue.

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Além da recriação das maquetes que estão presentes na mostra (mais informações aqui), a Goma foi responsável pela identidade visual e sinalização que desenvolveu em conjunto com o estúdio Lógos (saiba mais).

A expografia assinada por Ricardo Amado adotou uma nova estratégia para o suporte do conteúdo, que consistiu em painéis de MDF no lugar das grades metálicas utilizadas previamente nos Sescs Pompéia e Rio Preto. Essa alteração nos fez buscar outras soluções de fixação que utilizassem os furos já presentes nas placas – é importante destacar que toda a comunicação visual foi pensada para poder ser reutilizada, por isso a escolha das placas soltas. Por isso, escolhemos um percevejo preto para se encaixar nessa furação, respeitando o partido do projeto de sinalização: a ideia de um ateliê em uso, como se os artistas tivessem acabado de prender desenhos e fotos na parede)

Nos adesivos, escrevemos o nome da escola com uma tipografia que criamos “responsiva” (que se adapta facilmente à diferentes formatos), que nos permitiu brincar com os formatos do guarda corpo e portas de vidro, preenchendo visualmente o espaço e sinalizando a mostra pra quem a vê de longe. 

As maquetes de Leonídov, Miélnikov, Ródchenko e Maliévitch foram montadas novamente, e uma equipe de três pessoas se empenhou em reconstruir o Monumento à III Internacional de Vladimir Tátlin – também conhecido como Torre Tátlin.

A mostra está aberta de 8 de outubro de 2018 à 12 de janeiro de 2019, no térreo do Sesc Sorocaba.

Fotos Lauro Rocha

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Para nós foi uma honra poder se debruçar nessa pesquisa. A arquitetura paraguaia é extremamente experimental, diversa, plural, polifônica. Por isso nos preocupamos nessa incursão em tentar mostrar seus aspectos mais diversos: variedade de programas, escalas, materialidades. Além de trazer o contexto político, territorial e social, que o Brasil foi tão presente (negativamente), e estudamos e falamos muito pouco sobre isso. Acreditamos, assim como Fernando Lara no texto do posfácio, que olhar para nosso território latino americano é aprender a lidar com nossas potencialidades e desafios. Por isso a importância desse olhar e dessa troca. E por ter tanta gente preocupada com isso, que acreditamos que o lançamento estava cheio!!

No Brasil, pouco se sabe sobre a realidade do Paraguai, um país que possui uma cultura rica, belas paisagens e uma população de cerca de 6,5 milhões de pessoas que falam as duas línguas oficiais: espanhol e guarani. O livro Arquiteturas contemporâneas no Paraguai busca revelar a riqueza e inventividade das construções contemporâneas realizadas por uma nova geração de arquitetos paraguaios. Propõe-se também a fazer uma análise da história do país e do seu desenvolvimento, marcado pela influência de sucessivos governos brasileiros.

A publicação bilíngue (português-espanhol) apresenta uma seleção de obras marcadas pela experimentação construtiva e muita criatividade, utilizando materiais básicos: tijolos, concreto e vidro. Manejando recursos materiais muito simples  as obras de arquitetos como Solano Benitez e Javier Corvalán têm alcançado grande destaque na arquitetura mundial. Com textos críticos e uma seleção de vinte e nove obras, o livro organizado pela Goma Oficina propõe à esse território um novo olhar,  que pode ajudar muito a pensar o futuro (e presente) das cidades latino-americanas, tomando como exemplo  essa geração de profissionais que vem encontrando soluções criativas aos desafios sociais e urbanos locais.

Para adquirir o livro basta acessar o site da editora , ou na Amazon

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O LP foi feito com a mesma faca do álbum branco, versão que o Tim tinha. É uma das primeiras prensagens, com um bolso único grande, onde ficam os dois envelopes. O acabamento é laminação brilhante e alto relevo (imagem abaixo).

Das capas que não foram, dessas que a gente sempre ama, e que nunca mostra. Eu tava nessa viagem que esse disco todo falava sobre movimento, deslocamento. E ai resolvi usar de referência a identidade do metrô de Nova Iorque do Vignelli. Mas os meninos não acharam que era exatamente isso. Eu ainda fico na dúvida qual prefiro 🙂

São dois envelopes internos no disco. Um com as letras frente e verso criando esse mar de palavras, fixado pelo topo, como se tivessem penduradas, e o outro com ficha técnica e a foto do Biel com o outro lado branco. Esse projeto a gente usou o branco e a ausência sem medo.

O CD foi feito com um único furo, de modo que a partir da rotação do encarte interno, se possibilita 4 cores de capa: azul, amarelo, vermelho e branco. Achei importante usar o mesmo tamanho de fonte do LP, e não apenas mimetizar a mesma capa, só que menor. Brincar com as diferente escalas das peças gráficas tem sido algo que tenho buscado nas minhas últimas pesquisas. Acho que muitas vezes a gente se atenta pouco a natureza das peças gráficas, seus diferentes tamanhos, possibilidades e limitações visuais. Um CD com 12cm é diferente de um LP com 31cm, e isso muda tudo! Cada vez menos eu tenho vontade de reproduzir capas digitalmente e impressas em formatos distintos, como se fossem a mesma imagem. Porque elas não são, a experiência de quem pega um CD é diferente de quem pega um LP. E foi muito massa que os meninos toparam essa comigo.

O manuseio do CD foi feito na gráfica de maneira aleatória (girando o encarte conforme queriam convinha), o que resultou em 4 capas distintas. Na imagem abaixo as possibilidades.

Para escutar o disco clica aqui.

Agradecimentos a Christian Salmeron, que sempre faz minhas produções gráficas, a Mari Marçal <3 empresária dos meninos e muito querida, e a Biel, Tim e Peixe, amigos queridos.

A gente no Canoa, gravando o coro para a música Bielzinho/Bielzinho. Ana Frango, Tulipa, Tim, Peixe, Lú, Cau e Maria. Foto do Gui Jesus

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Panapaná significa coletivo de borboletas. por acaso no inicio do ano tinha tirado num tarô a carta da borboleta. Coincidência ou acaso tinha feito esse desenho mesmo antes do Pedro me fazer esse convite (abaixo).

O projeto gráfico buscou traduzir a capacidade da borboleta de se encasular para criar asas e voar. Aproveite a viagem.

Fotos still por Rodrigo Lins.

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No primeiro dia apresentamos um breve panorama sobre a produção gráfica soviética a partir dos cartazes e estamparia presentes na exposição, com o objetivo de identificar os mesmos como um potente veículo de comunicação. Passando pelas técnicas de colagem, estamparia e poesia concreta, apresentamos a importância da semiótica e da composição quando queremos comunicar algo.

Como processo, a ideia foi de interpretar uma mensagem e transformá-la em imagem, criando então uma terceira mensagem – a gráfica. Esse processo foi baseado nas colagens realizadas por Rodtchenko para o livro Sobre Isto, de Vladímir Maiakovski, que as transformou em cenas, como um fragmento de um filme. Os materiais disponíveis eram revistas e jornais antigos utilizados para recortes.As frases selecionadas foram:

I. Preciso /ventilar um pouco a cabeça /vou, /vou, aonde me estabeleça.
II. Sob a mesa, /atrás do armário, água. /Do sofá, /de água ensopada, /rumo à janela navegou a mala. /Chaminé… /Bituca… /Eu mesmo joguei.
III. Entre as nuvens amadureceu o melão lunar, /obscurecendo a parede lentamente.

Como um primeiro exercício, selecionamos três frases do livro Sobre Isto e para traduzirmos em colagem. Foram desenvolvidos cartazes em formato A3 pelos alunxs e expostos para analisarmos as interpretações de cada um sobre esses trechos.

No segundo dia listamos algumas composições musicais de artistas contemporâneos, com mensagens urgentes e políticas, sendo elas:

Joana Dark – Ava Rocha, Vitor Hugo, Gabriela Carneiro da Cunha
Febre – Ava Rocha
Banho – Tulipa Ruiz
Mulher limpa – Juliana Perdigão e Angélica Freitas
Bate mais – Teto Preto
Rainha – Maria Beraldo
Revirá – Bruno Schiavo
Chocolate – Ana Frango Elétrico
Mulher do fim do mundo – Romulo Fróes
Um olho aberto – Mariá Portugal
João três filhos – Dinho Almeida
Exu nas escolas – Kiko Dinucci e Edgar
Cadeira  – Luiza Lian
Bluesman – Baco Exu do Blues
Que estrago – Letrux
Cota não é esmola – Bia Ferreira
Espectro – Tantão e os Fita
Líquida – Edgar
Corpo / Sujeito – Daniel Haaksman e Cibelle
Escalafobética – Anelis Assunção
Pro Patrão – tradução por Juçara Marçal da música Pour le patron de Brigitte Fontaine e Areski Belkacem

O objetivo era a tradução intersemiótica da canção em imagem, um cartaz. Aqui foi onde o processo como um todo se uniu, onde xs alunxs estavam livres para interpretar a música inteira ou pegar alguma frase, palavra, passagem específica. A maioria dos alunos não conheciam os artistas, e acabaram escolhendo as músicas de acordo com o desejo de compartilhar a mensagem.

alunxs
Janaína Camoleze
Marina Urias
Isabela Costa
Felipe Lobo
Leusenice Debeus
Ana Beatriz Beckmann
Danni Jordan

+ sobre a identidade visual da ‘vkhutemas: o futuro em construção’

Na galeria de imagens, o resultado dos cartazes compostos nesses dois dias. Agradecemos a presença e dedicação de todxs participantes. Foi uma experiência muito rica ver as interpretações e composições de cada um/a.

1. Joana Dark, música Ava Rocha detalhe
2. Banho, de Tulipa Ruiz (esq.)  e a frase Sob a mesa, /atrás do armário, água. /Do sofá, /de água ensopada, /rumo a janela navegou a mala. /Chaminé… /Bituca… /Eu mesmo joguei.  trecho do livro Sobre Isto (dir.)
3. Entre as nuvens amadureceu o melão lunar, /obscurecendo a parede lentamente. trecho so livro Sobre Isto
4. Preciso /ventilar um pouco a cabeça /vou, /vou, aonde me estabeleça. trecho do livro Sobre Isto
5. Bate mais, música, Laura Diaz
6. e 7. Sob a mesa, /atrás do armário, água. /Do sofá, /de água ensopada, /rumo à janela navegou a mala /Chaminé… /Bituca… /Eu mesmo joguei. trecho do livro Sobre Isto
8. e 9. Pro Patrão – tradução por Juçara Marçal da música Pour le patron de Brigitte Fontaine e Areski Belkacem
10. Preciso /ventilar um pouco a cabeça /vou, /vou, aonde me estabeleça. trecho do livro trecho do livro Sobre Isto, Vladímir Maiakovski.

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O infográfico desenhado por Maria Cau Levy /Goma Oficina intenta, de maneira simples e objetiva, responder os principais questionamentos acerca de um Plano ainda muito jovem (o PDE trata majoritariamente de processos de médio e, principalmente, longo prazo) — um importante respaldo estatístico à disposição da sociedade civil, que pode e deve cobrar o poder público.

O IAB-SP inclui um importante alerta no material: em 2018, menos de 2 anos depois de aprovada a nova lei de Zoneamento da cidade – resultado de um amplo processo participativo – a Prefeitura apresentou proposta de alteração da lei vigente, com consequentes mudanças em importantes determinações do Plano Diretor Estratégico.

Na época, mais de 150 entidades, de representação estudantil e profissional, institutos de pesquisa, ativistas e movimentos sociais assinaram manifesto contra a proposta de alteração, em formato de carta aberta ao prefeito de São Paulo, João Dória. O Instituto Pólis produziu material gráfico ilustrando como essa proposta de revisão e alteração da Lei de Zoneamento pode impactar o futuro da cidade, revelando os reais interesses por trás do trâmite.

Em 28 de Fevereiro do mesmo ano, SASP – Sindicato dos Arquitetos de São Paulo, Entrefaus – Coletivo das entidades estudantis de arquitetura e urbanismo e FLM – Frente de Luta por Moradia organizaram o ato “Dória, SP não é negócio”. Partindo da frente do edifício da Prefeitura até o local de realização da última audiência pública, denunciaram não apenas a falta de argumentos técnicos que embasassem a proposta de alteração, como também o caráter absolutamente questionável do que a Prefeitura chamou de “processo participativo”. Em todas as 5 audiências públicas a proposta foi rejeitada pela população.

Outro ponto levantado na análise do IAB-SP chama a atenção em especial: o Plano Municipal de Habitação, previsto no PDE, não foi aprovado até hoje, 2 anos depois da sua apresentação na Câmara Municipal de São Paulo. O Plano atualiza a política municipal de habitação (a lei atual tem mais de 20 anos) e amplia o escopo de diretrizes e instrumentos com os quais será possível enfrentar o alarmante déficit habitacional na cidade.

O processo democrático pressupõe o exercício de observação e, sempre que necessário, reparação de possíveis equívocos, imprescindivelmente dentro da legalidade. Refletir e discutir o Plano Diretor Estratégico não apenas representa um exercício de cidadania, como se faz extremamente necessário para manutenção de uma cidade igualmente e, de fato, democrática e socialmente justa.

Para acessar o infográfico completo, clique aqui.

fotografia

Victoria Braga

diagrama

Maria Cau Levy

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“Para a contenção da barbárie, faz-se necessário anunciá-la. Enunciá-la. Fazer vê-la. Colocar a nu aquilo que a cultura vela e em tempos sombrios, a mascara e fantasia. E trazer à superfície suas formas comuns. Como pontua Bataille, a arquitetura se expressa um gosto predominante para a autoridade divina ou humana. Talvez seja o caso de voltar-se às vidas que foram excluídas e, todavia, produzem mundos à parte da ordem divina na qual instauramos esta cultura?”

A publicação foi realizada na oficina editorial coletivo: arquitetura e política, uma atividade elaborada pela Goma Oficina (SP) e a revista Piseagrama (BH), para a XV semana viver metrópole – semana de arquitetura organizada pelos estudantes da FAU Mackenzie. A oficina se deu através do levantamento de algumas questões que relacionam arquitetura, política e publicação editorial, como por exemplo, onde se encontram os discursos formativos hoje na arquitetura, para que e para quem publicamos atualmente e o que uma publicação pode trazer de novo para a arquitetura e para a política.

Os participantes foram convidados a selecionar conteúdos ligados a esses  temas para entender possíveis linhas editoriais entre eles. Os formatos trazidos foram diversos: textos, notícias, imagens, livros, pesquisas, manifestos, fotografias, entre outros. A seleção de conteúdos mostrou como os mais diversos assuntos podem estar conectados, entendendo que a informação necessita uma leitura crítica. Uma matéria chama atenção para a construção de um mural no Minhocão retratando as artistas Linn da Quebrada e As Bahias, símbolos da luta LGBTQ+, enquanto outra aponta casos de violência e transfobia que mulheres trans sofreram no Arouche, muito próximo ao mural. Tomando a luta de grupos marginalizados como mote editorial,  o grupo elegeu três temas para criar uma narrativa crítica para a publicação: intolerância, gestão e apagamentos, relacionando  a cidade de São Paulo e seus agentes em diversas esferas.

O formato, também discutido em conjunto,  estruturou duas maneiras de inserir esses temas na publicação, uma para os conteúdos “teóricos” e outra para os “recortes” – inseridos como “abas”.  Os recortes eram citações de livros, músicas ou poemas mais curtos, pontuais; os teóricos, notícias íntegras, matérias de revistas e trechos de livros. As imagens, retiradas do google e das matérias, foram recortadas em pontos específicos representando os assuntos. A zine resultado desse processo é um mosaico de recortes que apresenta fragmentos da atual conjuntura política e os desdobramentos desses acontecimentos na sociedade.   

Diversos escritores, músicos e artistas foram citados, entre eles:  Criolo, Georges Bataille, Giselle Beiguelman, Guilherme Wisnik, Maria Rita Kehl, Mc Linn da Quebrada, Sérgio Pena e Walter Benjamin.

A zine não está a venda e está disponível online neste link.

oficineiros
Paula Lobato
Ana David
Christian Salmeron
André Stefanini
Fernando Banzi

participantes
Thais Zanini
Sophia Noronha
Sofia Olival
João Vitor Araújo
Gabrielle Frigotto
Guilherme Carriel
Victor Martins
Laura Vasconcelos
Beatriz Saporito
Felipe dos Anjos
Gisete Reis

sobre piseagrama

PISEAGRAMA é uma plataforma editorial dedicada aos espaços públicos – existentes, urgentes e imaginários –  e além da revista semestral e sem fins lucrativos, realiza ações em torno de questões de interesse público como debates, micro-experimentos urbanísticos, oficinas, campanhas e publicação de livros.

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Em 2018 tive o prazer de conhecer algumas pessoas por trás da maravilhosa balaclava records – selo, produtora musical e revista da cena indierock em sp. Um dia, conversando com Fernando Dotta e com a Helô Cleaver, resolvi elogiar a revista balaclava, que estava na sua segunda edição. ao ter contato com uma revista – gratuita – sobre a cena musical, em sua maioria independente e atual, me veio a importância desse veículo (cada vez mais obsoleto, pelo menos no brasil), dando voz e visibilidade aos artistas. Me impressionou a qualidade e o cuidado do conteúdo editorial, das fotografias, tudo. É cada vez mais importante vermos as pessoas engajadas na cena de música independente, e a revista tem um importante papel nisso. a revista balaclava mostra o dia dia dos artistas, entrevistas e conversas entre bandas, além de falar sobre as experiências (e os perrengues) dos músicos, sejam eles independentes ou não.

Nessa conversa com a Helô, começamos a analisar juntas algumas coisas que poderiam eventualmente mudar para a terceira edição. Foi nessa troca que ela me convidou para fazer parte do time como designer e diretora criativa. fiquei extremamente feliz e realizada com o convite, pois diagramação é o que mais tenho estudado no design gráfico atualmente. Logo comecei a perceber o desafio (e a responsabilidade) que seria aplicar algumas modificações na revista, por exemplo, no formato e tipo de papel.

Foi um processo intenso, pois como haviam algumas mudanças estruturais, tive que entrar de cabeça no mundo das revistas. Tive muito a ajuda da Isabella Yu, que assina a direção editorial e já passou por algumas revistas da editora abril. Convidei a designer e ilustradora Adriana Komura para me ajudar com a diagramação e ilustração, e também a continuar esse mergulho no mundo das revistas.

Esse encontro me abriu muito a entender as diferenças entre fazer um projeto gráfico de um livro e o de uma revista. com total liberdade criativa, começamos a entender se iríamos para um caminho linear, onde todas as matérias teriam as mesmas “caras” ou se partiríamos de cada matéria separada. Escolhemos a segunda opção, pois percebemos que mesmo a maioria das matérias serem entrevistas, cada uma tinha sua peculiaridade, seu estilo musical, etc.

O resultado foi uma mistura de linguagens que se conectaram com as tipografias escolhidas para essa edição, que foi a Eksell, Akkurat e EB Garamond. A primeira era a tipografia de títulos principais e abre dos capítulos. a Akkurat, uma tipografia sem serifa que foi utilizada no corpo do texto e em alguns casos, junto a Garamond, uma tipografia serifada, diferenciando as vezes as perguntas e respostas das entrevistas.

O formato de 16,5 x 24 cm, um pouco maior que as duas primeiras foi pensado para que ela tivesse mais respiro entre as manchas de texto/imagens. Imprimimos no papel couché, pela gráfica Elyon com a assistência e o cuidado do Augusto Pereira.

Foi muito importante participar desse processo e conhecer melhor o trabalho da Yu, Helô e da Dri, além de me fazer continuar cada vez mais essa pesquisa no meio do mundo editorial e ver o impacto que tem sido ver as pessoas consumirem um conteúdo rico sobre a cena musical atual. 

click aqui para ver a revista balaclava #3

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