Refundações é um processo coletivo de produção de novas leituras sobre as pinturas históricas do acervo do Museu Paulista que representam momentos do desenvolvimento urbano da cidade de São Paulo, convidando o público a reimaginar esses episódios nos dias atuais e, consequentemente, os projetos de cidade resultantes desses processos imaginados.

Foi realizado uma série de encontros com o público do Sesc, ativistas, artistas, estudiosos e sujeitos que a história oficial silenciou, para a cocriação de novas narrativas que recriam o episódio da fundação da cidade de São Paulo em um futuro próximo. Os resultados dessas conversas se materializam em obras gráficas e compõe a exposição Refundações, que está aberta no Sesc Ipiranga até 01/03/2020.

Para um primeiro momento participamos em um desses encontros reimaginando esse episódio, em seguidas produzimos duas obras a partir da fala de outras duas pessoas que também fizeram esse processo de imaginar essa refundação da cidade.

No segundo momento, de criação, partimos de fotografias da São Paulo do Sec. XIX de Augusto Militão Pacheco e de um carte-de-visite (autor desconhecido), em seguida utilizamos a fotopintura digital e a colagem para intervir nessas fotografias e finalizar as obras.

Contribuíram com este projeto: Alexandre de Araújo, Amelinha Teles, Andréa Thomsen, Arthur Waki, Bruno Queiroz, Carlos Cichelero, Caroline Silveira, Cássia Gomes, Coletivo Às Margens, Danny Abensur , Darío Marroche, David Karai Popygua, Elidayana da Silva, Fernando Maculan, Fernanda Gomes, Flora de Carvalho, Gabriela Amorim, Gabriela Leandro, Gabriela Pereira , Gabriel Gonzaga, Goma Oficina, Guilherme Lira, Guilherme Silva, Gustavo de Souza, Hélio Menezes, Henrique Inmauser, Isabela de Arruda, Isadora Teles, Ítalo de Almeida, João Carneiro, João Justino, João Pedro Nemer, Júlio Vieira,  Laís Lino, Lana Soares, Ligia de Menezes, Ludmilla Mel, Luís Galhardo, Luiz Brito, Manuela Ribeiro, Maria Cau Levy, Maria Clara Araújo, Maria Luiza de Meneses, Marcella Arruda, Miriã Gonçalves, Miriam Gonzales, Miliane Gonzaga, Pedro Brucznitski, Rachel Amoroso, Renata Figueiró, Rita Demarchi, Rodrigo Barja, Rosana Paulino, Sonia Ara Mirim, Tamara da Silva, Thiago Benucci.

Agradecemos ao Micrópolis pelo convite e parceria, e à todos os envolvidos na produção desse projeto.

Fotografias: Acervo Micrópolis. Fotografias da Exposição: Fernando Banzi

Legenda da imagem de destaque: Oscar Pereira da Silva, óleo sobre tela, 185 x 340 cm. Acervo do Museu Paulista da USP, São Paulo.

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“Para a contenção da barbárie, faz-se necessário anunciá-la. Enunciá-la. Fazer vê-la. Colocar a nu aquilo que a cultura vela e em tempos sombrios, a mascara e fantasia. E trazer à superfície suas formas comuns. Como pontua Bataille, a arquitetura se expressa um gosto predominante para a autoridade divina ou humana. Talvez seja o caso de voltar-se às vidas que foram excluídas e, todavia, produzem mundos à parte da ordem divina na qual instauramos esta cultura?”

A publicação foi realizada na oficina editorial coletivo: arquitetura e política, uma atividade elaborada pela Goma Oficina (SP) e a revista Piseagrama (BH), para a XV semana viver metrópole – semana de arquitetura organizada pelos estudantes da FAU Mackenzie. A oficina se deu através do levantamento de algumas questões que relacionam arquitetura, política e publicação editorial, como por exemplo, onde se encontram os discursos formativos hoje na arquitetura, para que e para quem publicamos atualmente e o que uma publicação pode trazer de novo para a arquitetura e para a política.

Os participantes foram convidados a selecionar conteúdos ligados a esses  temas para entender possíveis linhas editoriais entre eles. Os formatos trazidos foram diversos: textos, notícias, imagens, livros, pesquisas, manifestos, fotografias, entre outros. A seleção de conteúdos mostrou como os mais diversos assuntos podem estar conectados, entendendo que a informação necessita uma leitura crítica. Uma matéria chama atenção para a construção de um mural no Minhocão retratando as artistas Linn da Quebrada e As Bahias, símbolos da luta LGBTQ+, enquanto outra aponta casos de violência e transfobia que mulheres trans sofreram no Arouche, muito próximo ao mural. Tomando a luta de grupos marginalizados como mote editorial,  o grupo elegeu três temas para criar uma narrativa crítica para a publicação: intolerância, gestão e apagamentos, relacionando  a cidade de São Paulo e seus agentes em diversas esferas.

O formato, também discutido em conjunto,  estruturou duas maneiras de inserir esses temas na publicação, uma para os conteúdos “teóricos” e outra para os “recortes” – inseridos como “abas”.  Os recortes eram citações de livros, músicas ou poemas mais curtos, pontuais; os teóricos, notícias íntegras, matérias de revistas e trechos de livros. As imagens, retiradas do google e das matérias, foram recortadas em pontos específicos representando os assuntos. A zine resultado desse processo é um mosaico de recortes que apresenta fragmentos da atual conjuntura política e os desdobramentos desses acontecimentos na sociedade.   

Diversos escritores, músicos e artistas foram citados, entre eles:  Criolo, Georges Bataille, Giselle Beiguelman, Guilherme Wisnik, Maria Rita Kehl, Mc Linn da Quebrada, Sérgio Pena e Walter Benjamin.

A zine não está a venda e está disponível online neste link.

oficineiros
Paula Lobato
Ana David
Christian Salmeron
André Stefanini
Fernando Banzi

participantes
Thais Zanini
Sophia Noronha
Sofia Olival
João Vitor Araújo
Gabrielle Frigotto
Guilherme Carriel
Victor Martins
Laura Vasconcelos
Beatriz Saporito
Felipe dos Anjos
Gisete Reis

sobre piseagrama

PISEAGRAMA é uma plataforma editorial dedicada aos espaços públicos – existentes, urgentes e imaginários –  e além da revista semestral e sem fins lucrativos, realiza ações em torno de questões de interesse público como debates, micro-experimentos urbanísticos, oficinas, campanhas e publicação de livros.

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Em 2018 tive o prazer de conhecer algumas pessoas por trás da maravilhosa balaclava records – selo, produtora musical e revista da cena indierock em sp. Um dia, conversando com Fernando Dotta e com a Helô Cleaver, resolvi elogiar a revista balaclava, que estava na sua segunda edição. ao ter contato com uma revista – gratuita – sobre a cena musical, em sua maioria independente e atual, me veio a importância desse veículo (cada vez mais obsoleto, pelo menos no brasil), dando voz e visibilidade aos artistas. Me impressionou a qualidade e o cuidado do conteúdo editorial, das fotografias, tudo. É cada vez mais importante vermos as pessoas engajadas na cena de música independente, e a revista tem um importante papel nisso. a revista balaclava mostra o dia dia dos artistas, entrevistas e conversas entre bandas, além de falar sobre as experiências (e os perrengues) dos músicos, sejam eles independentes ou não.

Nessa conversa com a Helô, começamos a analisar juntas algumas coisas que poderiam eventualmente mudar para a terceira edição. Foi nessa troca que ela me convidou para fazer parte do time como designer e diretora criativa. fiquei extremamente feliz e realizada com o convite, pois diagramação é o que mais tenho estudado no design gráfico atualmente. Logo comecei a perceber o desafio (e a responsabilidade) que seria aplicar algumas modificações na revista, por exemplo, no formato e tipo de papel.

Foi um processo intenso, pois como haviam algumas mudanças estruturais, tive que entrar de cabeça no mundo das revistas. Tive muito a ajuda da Isabella Yu, que assina a direção editorial e já passou por algumas revistas da editora abril. Convidei a designer e ilustradora Adriana Komura para me ajudar com a diagramação e ilustração, e também a continuar esse mergulho no mundo das revistas.

Esse encontro me abriu muito a entender as diferenças entre fazer um projeto gráfico de um livro e o de uma revista. com total liberdade criativa, começamos a entender se iríamos para um caminho linear, onde todas as matérias teriam as mesmas “caras” ou se partiríamos de cada matéria separada. Escolhemos a segunda opção, pois percebemos que mesmo a maioria das matérias serem entrevistas, cada uma tinha sua peculiaridade, seu estilo musical, etc.

O resultado foi uma mistura de linguagens que se conectaram com as tipografias escolhidas para essa edição, que foi a Eksell, Akkurat e EB Garamond. A primeira era a tipografia de títulos principais e abre dos capítulos. a Akkurat, uma tipografia sem serifa que foi utilizada no corpo do texto e em alguns casos, junto a Garamond, uma tipografia serifada, diferenciando as vezes as perguntas e respostas das entrevistas.

O formato de 16,5 x 24 cm, um pouco maior que as duas primeiras foi pensado para que ela tivesse mais respiro entre as manchas de texto/imagens. Imprimimos no papel couché, pela gráfica Elyon com a assistência e o cuidado do Augusto Pereira.

Foi muito importante participar desse processo e conhecer melhor o trabalho da Yu, Helô e da Dri, além de me fazer continuar cada vez mais essa pesquisa no meio do mundo editorial e ver o impacto que tem sido ver as pessoas consumirem um conteúdo rico sobre a cena musical atual. 

click aqui para ver a revista balaclava #3

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Os diretores musicais foram Arthur Decloedt e Charles Tixier, com curadoria de Alexandre Matias. Eles não queriam nada muito cheio de cores, que fizesse alusão a esse lado multicolorido da tropicália, como é forte características das muitas artes de Rogério Duarte (responsável por grande parte das capas de disco dessa época).

Buscamos referência na poesia concreta, que muito trocou com o movimento tropicalista. A escolha de destacar o O em uma fonte serifada bem modulada, foi utilizada representando o orgasmo do poema Organismo de Décio Pignatari.

Organismo, Décio Pignatari, 1960, obra que originou a composição Organismo, 1961, de Duprat

A escolha do uso da foto do pinico foi uma escolha a partir da colocação dos diretores, de que poucos reconhecem o rosto de Duprat. A escolha foi para lembrar que além do ar professoral, por ser um dos mais velhos da turma da tropicália, Duprat também tinha muito humor.

O jogo das cores magenta e amarelo que somam no vermelho, foi uma referência ao emblemático cartaz da época com arte de Rogério Duarte do filme de Glauber “Deus e o Diabo na Terra do Sol”.

Cartaz de Rogério Duarte, 1964

Uma pequena homenagem ao Cinema Novo, a Tropicália e a Poesia Concreta.

A banda foi: Tiê, Tim Bernardes, Thiago França, Chicão, Mariá Portugal, Maria Beraldo, Luiza Lian, Jonas Sá, Jaloo, Filipe Nader, Curumin, Charles Tixier, Arthur Decloedt e André Vac. <3

Quem quiser ouvir o show, segue o link: https://www.mixcloud.com/olvecioestavala/professor-duprat-maestro-da-invenção/

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Achamos importante criarmos um cartaz especificamente para esse evento, por se tratar de um assunto político, de injustiças e resistência. Convidei o artista parceiro da Goma, Fernando Banzi para fazermos algo que tivesse uma relação direta aos 23 condenados injustamente por participarem dos protestos que ocorrerem no ano em que o Brasil cediou a copa do mundo, no Rio de Janeiro. De acordo com as leis da FIFA, cada seleção pode convocar no total, 23 jogadores para a seleção oficial, o mesmo número de condenados. Lembrando o episódio da foto oficial de 2002, segundo o volante Vampeta, não havia até o presente momento uma foto com os 23 jogadores. Seu ato de rebeldia, quebrando o protocolo da FIFA, foi chamar os outros jogadores, além dos usuais 11, para a foto oficial. Usamos o resultado como base para a nossa intervenção, reforçando o caráter de resistência da memória, pois caso contrário, os 23 não seriam lembrados.

divulgação acervo FIFA

Tranformamos a foto hiatórica, agora em azul, e com intervenção digital, inserimos balaclavas em todos, sugerindo que eles na verdade  eram os 23 condenados naquele momento. O nome de cada condenado injustamente nas manifestações surge escorrendo em vermelho, junto ao alvo no escudo da CBF e o título do cartaz: VINTETRÊS. Imprimimos em risografia, pela Risotropical.

Após a exibição do documentário “Operações de Garantia da Lei e da Ordem” rolou uma conversa com a Joana D’arc Ferraz,  Igor Mendes, Giselle Beiguelman, Acácio Augusto, Peter Pál Pelbart e Vladmir Safatle.

Gostaríamos de agradecer a editora n-1 pela oportunidade e pelo seu rico trabalho e a Casa do Povo por ceder os espaços de resistências. Temos os prints disponíveis na goma oficina e na editora n-1.

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formato 49x49cm. agradecimentos especiais ao fotógrafo Fernando Banzi e ao Fernando da Origemart.

wall drawings, dia beacon, 2017

Tivemos uma dificuldade de entender o tamanho da nossa grade. Alguns testes depois chegamos no nosso tamanho. Que também foi limitado pelo formato máximo da tela serigráfica.

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Ano passado eles fizeram um catarse e queriam dar uma série de cartazes como recompensa. Fui para as férias com objetivo de pensar esse logo, e sua aplicação em diversos cartazes que se adequassem aos diferentes roteiros do duo.

O primeiro cartaz é para o roteiro de astronomia. Projeto que realizaram no planetário. Para a ilustração eu parti do Voyager Golden Record do Carl Segan – que sou muito fã. O mapa para a terra com as diferentes vibrações do spin de hidrogênio, como a unidade base do universo.

caderno de estudo

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site oficial

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Recortes de revistas e cadernos da minha tia avó – da tia clara que ilustravam as páginas dos livros antigos – são o partido para a colagem que é capa da nova edição. O miolo em papél pólen recorda as páginas amareladas dos originais e o marcador em cetim ajuda a não perder a página. A lombada aparente é revestida de tecido vetex. A diagramação é de Christian Salmeron, a tiragem foi 200 unidades.

Meu querido tio gabriel escreveu o texto de introdução:

Para a nossa família a mesa sempre foi não só um momento de compartilhar os alimentos (ou disputá-los) mas também um verdadeiro “ponto de encontro”.  Se cada um dos 11 moradores da casa resolvesse comer em uma hora diferente, a logística da cozinha seria caótica e isso seria intolerável na nossa cultura doméstica de batalhão com hábitos de acampamento de exército. Então a hora da refeição deveria ser respeitada por todos. E a grande mesa de refeições se tornava um local sagrado, onde sempre se fazia uma oração  antes das refeições e, seja na cidade ou no sítio, estava sempre abençoada por uma imagem da Santa Ceia.  Mesmo sem nenhuma visita já éramos 11 pessoas à mesa: quase tantas pessoas quanto no quadro de Cristo e seus discípulos! Essa poderosa energia coletiva e a alegria comum de saciar a fome e a sede tornava esse ritual um poderoso momento de união e convívio que dificilmente se repetiria em outras horas do dia (talvez se repetisse, um pouco, no momento coletivo de assistir TV depois do jantar mas aí, todos apinhados, focávamos na telinha e não no convívio).

Então, nas refeições, entre a exaltação de um sabor e uma disputa por bifes a família toda se informava dos acontecimentos cotidianos: novidades e lembranças, notícias boas ou ruins, elogios e repreensões, piadas e agressões, segredos e revelações, conviviam lado a lado com as saladas, cozidos, massas, frutas e doces. A simples e pura vida…E é claro que para uma família numerosa – e que se orgulhava disso que nos tornava “especiais” de alguma forma – havia necessidade de uma cozinha praticamente industrial cujas grandes panelas começavam a fumegar bastante cedo para dar conta de preparar tudo que fosse necessário. Dos vários armários, da despensa e geladeira saiam os incontáveis produtos, legumes, latarias, carnes etc. todos comprados em quantidades de atacado. E comandando essa logística toda estava nossa mãe, Dona Célia, que, contrariando qualquer lógica, conseguia dar conta de cuidar da casa, da cozinha, das roupas e ainda gerenciar nove filhos com idades e personalidades diversas e, portanto, necessidades e desejos diversos. Um exemplo:  quando eu era pequeno – o sétimo de nove filhos – no dia de nosso aniversário tínhamos direito a um cardápio especial que podíamos escolher. Eu escolhia nhoque e pavê de amendoim!  Conseguir cuidar de tudo isso ao mesmo tempo não parece mesmo um milagre?

E é essa força das mulheres que, apesar das inúmeras dificuldades, conseguem encontrar prazer em criar prazeres para todos, é essa força que se revela nesse simples livro de receitas. Mulheres de várias origens que trocaram seus saberes por séculos. Como dizer com assertividade quais receitas vieram da Suíça ou da Itália ou de Portugal ou de Minas Gerais? Podem ter vindo das nossas avós, ou das avós das nossas avós… É uma cultura feminina -quase uma sabedoria oculta – que atravessa gerações e, passando de mães para filhas, chega até nós na forma desse precioso Livro de Receitas da Família Levy. Agora podemos ter acesso aos segredos culinários escondidos por trás desses pratos deliciosos e temos a possibilidade de realizar nossos desejos de prová-los todos. Que esse conhecimento se divida da mesma forma que, em toda a história da humanidade, se compartilhou o pão.

Em tempo: eu tenho em minha cozinha um pequeno quadro da Santa Ceia e uma escultura de São Benedito, padroeiro dos cozinheiros. Apesar da globalização, da robótica, do cyberespaço e da conquista de Marte, comer continua sendo sagrado…

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Ela me chamou para fazermos alguns fac-símiles desse caderno. O desafio era escanear aproximadamente 2,5 m de caderno e fazer o desenho contínuo bater direitinho. A Rê acompanhou o processo bem de perto, um privilégio pra quem fica quase um ano sem se ver. 

O texto sobre o verbo criado – o michouinar – já estava na cabeça dela, e foi escrito a mão e igualmente escaneado. Depois veio o projeto de como fazer o livro sanfonado sem perder a característica do original, que foi resolvido estudando o moleskine e as possibilidades com a gráfica.

A única diferença do fac-símile com o original foi a capa. Optamos por uma capa independente, em papel kraft, com grafismos igualmente feitos na hora e escaneados.

                   
Foi em um curto período que conseguimos fazer o Michouin nascer, e eles precisavam ficar prontos para que ela pudesse levar algumas cópias para a França. No fim, deu certo, algumas cópias foram com ela, outras com o Dé, amigo que partiu para a mesma aventura circense que a Rê.

Fico muito feliz com esses encontros, pessoas que mesmo distantes estão em nós. Agradeço imensamente a Rê – ou melhor, Renata La Rana – pela amizade, parceria e confiança em transformar sua arte e levá-la para o mundo.

Conheça os projetos circenses de Renata La Rana
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*para adquirir um Michouin para chamar de seu, mande um email para ana@gomaoficina.com
**fotos dos fac-símiles por Fernando Banzi

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