Não demos o devido valor para o Coronavírus quando ele ainda não estava em ares brasileiros, e quando ele chegou foi e está sendo tratado de maneiras diversas pelos atuais governos (federal, estadual e municipal) gerando uma dúvida, o que de fato o fazer? Fica em casa se possível.  Temos uma parte da sociedade que tem esse privilégio de fazer uma quarentena segura e outra grande parte de fato é obrigada ir para as ruas para poder ter o mínimo de sustento. Como se não fosse o bastante o vírus e toda a desigualdade social e racial temos que combater o desgoverno que vem destruindo o país para o bem da família do próprio vírus presidencial, seus amigos milicianos e uma direita velha baseada em preconceitos e estruturas que já não caberiam em 2020, mas se faz presente aqui no Brasil.

Entretanto eu não quero só falar das pautas que estão aí em toda mídia, quero também falar de afeto nesse momento “COVID-19”, onde o afeto está muito presente na virtualidade.

O meu afeto pelo espaço de vivência e trocas presencial a Goma oficina foi transferido para o  virtual, falo também do afeto da família que escolhi dividir parte da minha caminhada até aqui e que se transformou em uma relação que ultrapassa o coleguismo e transborda em um mar de bons sentimentos, do pensar e do fazer.

Dado essas informações, como demonstrar os afetos nesse momento?

As maneiras para se usar os aplicativos de vídeo chamada recebem atenção no fazer fotográfico. O uso do recurso print screen em computadores e móbiles ganha mais espaço em meio a produção de fotógrafas, fotógrafos, artistas e diversas outras áreas no atual cenário de pandemia.

Quero citar como exemplo o atual trabalho do fotógrafo norte americano Spencer Tunick, que já expôs na XXV Bienal de São Paulo, Brasil (2002) onde ele criou instalações efêmeras com a ajuda de centenas de corpos nus para preenchimento dos espaços. Neste novo projeto ele utiliza da mesma matérias prima para construir a imagem, o corpo humano, com a assistência dos colaboradores Studio 333 convidou pessoas de todo o mundo a participar de uma nova série de obras de arte intituladas Stay Apart Together. o trabalho faz parte da exposição virtual “Vida em tempo de guerra: arte na era do coronavírus” no USF Contemporary Art Museum, Tampa.

créditos: @spencertunick

“Stay Apart Together” nome escolhido por ele pode se traduzir como “fique longe junto”, apesar de estar separados no espaço físico, estão juntos.

       créditos: @spencertunick

Spencer preenche esse espaço, porém, desta vez eles são particulares. Com dípticos e polípticos e coloca numa mesma imagem mais de um corpo para reafirmar a resiliência da comunidade e da conexão humana e de certa forma transformando esse espaço íntimo em público.

Para responder a pergunta acima utilizo desse tempo suspenso da quarentena para construir um diário fotográfico, que tem sua experimentação na fotografia, fotopintura digital e dispositivos móveis.

O retrato por videochamada é uma delas, então convidei os amiges da Goma Oficina que divido o tempo e espaços para colaborar nesse ensaio de retratos à distância, de forma afetuosa cada um dividiu seu espaço íntimo (casa) para contribuir nesse meu diário de quarentena.

agradeço a colaboração de todos pelo tempo e afeto, seguimos atentos e forte.

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Para tentar responder à incerteza — ou ainda criar muitas outras indagações — em meio ao momento histórico que estamos vivendo, foram definidas três escalas ou temas como ponto de partida dos participantes: 01 o corpo, 02 a casa e 03 o bairro.  

Participamos como “provocadores” em duas equipes distintas e escolhemos trabalhar com o tema do corpo. Esse primeiro invólucro que delimita fisicamente o espaço primordial — o espaço da mente — e que manifesta antes de tudo por meio de si, a expressão de ser e existir. Como o corpo humano e os tantos corpos que podemos identificar na natureza e no ambiente construído estão sendo afetados pela nova realidade que se impõe, determinada por uma pandemia em escala global? 

A seguir apresentamos algumas das reflexões apresentadas durante o workshop. As especulações das duas equipes divergem e colocam em perspectiva duas das possíveis visões de um futuro que se contrói no agora.

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Equipe 1 – Victoria Braga (Goma Oficina), Gabriela Arrieta (México),  Maria Isabel Ayala (Paraguai) e  Raquel Carvalho (Brasil)

Quais são os corpos que primeiro se veem obrigados à adaptação para que possam permanecer, mesmo em contexto tão adverso? 

Para nossa equipe que contou com três mulheres estudantes de arquitetura do México, Paraguai e Brasil, pareceu necessário um olhar crítico sobre a situação dos corpos que não tem condição de isolar-se nesse momento ou em qualquer momento: as pessoas em situação de rua estão 365/24/7 expostos no limite a esse espaço que é do comum, o espaço público. 

A iminência da desigualdade social — ainda brutal e escancarada nesses 3 países — encontra no contexto atual um fator de maior deflagração: a crise sanitária do covid-19 agravou de imediato a fome, a falta de acesso a itens básicos de higiene, a renda diária necessária para a sobrevivência de milhões de pessoas em todo o mundo.  

Não seria difícil imaginar um cenário futuro bastante distópico: o espaço público perdendo qualquer função de ser, a individualização radical (dos corpos, das casas) imperando como modus operandi e as injustiças sociais tornando-se ainda mais acirradas. 

Mas ao contrário do que o momento atual poderia sugerir à imaginação, diversas iniciativas de solidariedade surgiram ou ganharam mais força do que nunca nos últimos meses, a partir da articulação de ações em redes de cooperação. Esse impulso nas iniciativas de cidadania auto-organizadas — que incluso, questionam modelos de organização verticais — , apesar de não representarem ainda uma coesão política suficiente para garantir a transformação estrutural do sistema produtivo e da vida em sociedade, parece construir as bases necessárias para um futuro pós pandêmico de possíveis UTOPIAS do comum. 

O corpo que encontra no outro — na alteridade — a sua força de reflexão e realização: parece ser esse o corpo que podemos vir a habitar.    

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Equipe 2 – Lauro Rocha (Goma Oficina), Emma de Vido (Argentina) e Maria Teresa Larriva (Espanha)

Na nossa outra que equipe que contou com uma arquiteta equatoriana que vive na Espanha, uma arquiteta da cidade de Formosa, na Argentina e um arquiteto do Brasil que vive em São Paulo, surgiram muitas reflexões sobre o corpo que habitamos fisicamente e o corpo que passamos a habitar cada vez mais virtualmente. Como esses corpos vão habitar o mundo pós quarentena?

Esse corpo virtual que durante a pandemia tem sido fonte para levantamento de muitos dos dados sobre a doença, visto que grande parte do monitoramento que tem gerado os dados nessa pandemia são produzidos através de informações provenientes dos celulares e computadores. Além de que muitos dos espaços de convívio, trabalho e lazer passaram ao “status” da virtualidade, e festas, reuniões e aulas estão ocorrendo nesse espaço virtual.

Esse corpo virtual que não ocupa um espaço físico e não cruza fronteiras, se contrapôs ao corpo físico que teve que deixar de habitar os espaços públicos, e viu o surgimento de novas fronteiras, a primeira delas sendo a porta das próprias casas.

Em um mundo pós quarentena talvez passemos a habitar esses corpos de maneira desigual, com menos uso dos espaços públicos, menos viagens e vivendo muito mais esse corpo e essa pele virtuais.

A experiência de participar desse workshop foi muito interessante pela possibilidade de trocar experiências e impressões sobre esse momento e nos pareceu mais importante pelas reflexões estabelecidas e pela metodologia estabelecida. A possibilidade de participar desse grande espaço virtual com pessoas de diversas partes do mundo, nos permitiu uma troca simultânea de conhecimento e reflexões.

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Além da recriação das maquetes que estão presentes na mostra (mais informações aqui), a Goma foi responsável pela identidade visual e sinalização que desenvolveu em conjunto com o estúdio Lógos (saiba mais).

A expografia assinada por Ricardo Amado adotou uma nova estratégia para o suporte do conteúdo, que consistiu em painéis de MDF no lugar das grades metálicas utilizadas previamente nos Sescs Pompéia e Rio Preto. Essa alteração nos fez buscar outras soluções de fixação que utilizassem os furos já presentes nas placas – é importante destacar que toda a comunicação visual foi pensada para poder ser reutilizada, por isso a escolha das placas soltas. Por isso, escolhemos um percevejo preto para se encaixar nessa furação, respeitando o partido do projeto de sinalização: a ideia de um ateliê em uso, como se os artistas tivessem acabado de prender desenhos e fotos na parede)

Nos adesivos, escrevemos o nome da escola com uma tipografia que criamos “responsiva” (que se adapta facilmente à diferentes formatos), que nos permitiu brincar com os formatos do guarda corpo e portas de vidro, preenchendo visualmente o espaço e sinalizando a mostra pra quem a vê de longe. 

As maquetes de Leonídov, Miélnikov, Ródchenko e Maliévitch foram montadas novamente, e uma equipe de três pessoas se empenhou em reconstruir o Monumento à III Internacional de Vladimir Tátlin – também conhecido como Torre Tátlin.

A mostra está aberta de 8 de outubro de 2018 à 12 de janeiro de 2019, no térreo do Sesc Sorocaba.

Fotos Lauro Rocha

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Refundações é um processo coletivo de produção de novas leituras sobre as pinturas históricas do acervo do Museu Paulista que representam momentos do desenvolvimento urbano da cidade de São Paulo, convidando o público a reimaginar esses episódios nos dias atuais e, consequentemente, os projetos de cidade resultantes desses processos imaginados.

Foi realizado uma série de encontros com o público do Sesc, ativistas, artistas, estudiosos e sujeitos que a história oficial silenciou, para a cocriação de novas narrativas que recriam o episódio da fundação da cidade de São Paulo em um futuro próximo. Os resultados dessas conversas se materializam em obras gráficas e compõe a exposição Refundações, que está aberta no Sesc Ipiranga até 01/03/2020.

Para um primeiro momento participamos em um desses encontros reimaginando esse episódio, em seguidas produzimos duas obras a partir da fala de outras duas pessoas que também fizeram esse processo de imaginar essa refundação da cidade.

No segundo momento, de criação, partimos de fotografias da São Paulo do Sec. XIX de Augusto Militão Pacheco e de um carte-de-visite (autor desconhecido), em seguida utilizamos a fotopintura digital e a colagem para intervir nessas fotografias e finalizar as obras.

Contribuíram com este projeto: Alexandre de Araújo, Amelinha Teles, Andréa Thomsen, Arthur Waki, Bruno Queiroz, Carlos Cichelero, Caroline Silveira, Cássia Gomes, Coletivo Às Margens, Danny Abensur , Darío Marroche, David Karai Popygua, Elidayana da Silva, Fernando Maculan, Fernanda Gomes, Flora de Carvalho, Gabriela Amorim, Gabriela Leandro, Gabriela Pereira , Gabriel Gonzaga, Goma Oficina, Guilherme Lira, Guilherme Silva, Gustavo de Souza, Hélio Menezes, Henrique Inmauser, Isabela de Arruda, Isadora Teles, Ítalo de Almeida, João Carneiro, João Justino, João Pedro Nemer, Júlio Vieira,  Laís Lino, Lana Soares, Ligia de Menezes, Ludmilla Mel, Luís Galhardo, Luiz Brito, Manuela Ribeiro, Maria Cau Levy, Maria Clara Araújo, Maria Luiza de Meneses, Marcella Arruda, Miriã Gonçalves, Miriam Gonzales, Miliane Gonzaga, Pedro Brucznitski, Rachel Amoroso, Renata Figueiró, Rita Demarchi, Rodrigo Barja, Rosana Paulino, Sonia Ara Mirim, Tamara da Silva, Thiago Benucci.

Agradecemos ao Micrópolis pelo convite e parceria, e à todos os envolvidos na produção desse projeto.

Fotografias: Acervo Micrópolis. Fotografias da Exposição: Fernando Banzi

Legenda da imagem de destaque: Oscar Pereira da Silva, óleo sobre tela, 185 x 340 cm. Acervo do Museu Paulista da USP, São Paulo.

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O LP foi feito com a mesma faca do álbum branco, versão que o Tim tinha. É uma das primeiras prensagens, com um bolso único grande, onde ficam os dois envelopes. O acabamento é laminação brilhante e alto relevo (imagem abaixo).

Das capas que não foram, dessas que a gente sempre ama, e que nunca mostra. Eu tava nessa viagem que esse disco todo falava sobre movimento, deslocamento. E ai resolvi usar de referência a identidade do metrô de Nova Iorque do Vignelli. Mas os meninos não acharam que era exatamente isso. Eu ainda fico na dúvida qual prefiro 🙂

São dois envelopes internos no disco. Um com as letras frente e verso criando esse mar de palavras, fixado pelo topo, como se tivessem penduradas, e o outro com ficha técnica e a foto do Biel com o outro lado branco. Esse projeto a gente usou o branco e a ausência sem medo.

O CD foi feito com um único furo, de modo que a partir da rotação do encarte interno, se possibilita 4 cores de capa: azul, amarelo, vermelho e branco. Achei importante usar o mesmo tamanho de fonte do LP, e não apenas mimetizar a mesma capa, só que menor. Brincar com as diferente escalas das peças gráficas tem sido algo que tenho buscado nas minhas últimas pesquisas. Acho que muitas vezes a gente se atenta pouco a natureza das peças gráficas, seus diferentes tamanhos, possibilidades e limitações visuais. Um CD com 12cm é diferente de um LP com 31cm, e isso muda tudo! Cada vez menos eu tenho vontade de reproduzir capas digitalmente e impressas em formatos distintos, como se fossem a mesma imagem. Porque elas não são, a experiência de quem pega um CD é diferente de quem pega um LP. E foi muito massa que os meninos toparam essa comigo.

O manuseio do CD foi feito na gráfica de maneira aleatória (girando o encarte conforme queriam convinha), o que resultou em 4 capas distintas. Na imagem abaixo as possibilidades.

Para escutar o disco clica aqui.

Agradecimentos a Christian Salmeron, que sempre faz minhas produções gráficas, a Mari Marçal <3 empresária dos meninos e muito querida, e a Biel, Tim e Peixe, amigos queridos.

A gente no Canoa, gravando o coro para a música Bielzinho/Bielzinho. Ana Frango, Tulipa, Tim, Peixe, Lú, Cau e Maria. Foto do Gui Jesus

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Panapaná significa coletivo de borboletas. por acaso no inicio do ano tinha tirado num tarô a carta da borboleta. Coincidência ou acaso tinha feito esse desenho mesmo antes do Pedro me fazer esse convite (abaixo).

O projeto gráfico buscou traduzir a capacidade da borboleta de se encasular para criar asas e voar. Aproveite a viagem.

Fotos still por Rodrigo Lins.

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O infográfico desenhado por Maria Cau Levy /Goma Oficina intenta, de maneira simples e objetiva, responder os principais questionamentos acerca de um Plano ainda muito jovem (o PDE trata majoritariamente de processos de médio e, principalmente, longo prazo) — um importante respaldo estatístico à disposição da sociedade civil, que pode e deve cobrar o poder público.

O IAB-SP inclui um importante alerta no material: em 2018, menos de 2 anos depois de aprovada a nova lei de Zoneamento da cidade – resultado de um amplo processo participativo – a Prefeitura apresentou proposta de alteração da lei vigente, com consequentes mudanças em importantes determinações do Plano Diretor Estratégico.

Na época, mais de 150 entidades, de representação estudantil e profissional, institutos de pesquisa, ativistas e movimentos sociais assinaram manifesto contra a proposta de alteração, em formato de carta aberta ao prefeito de São Paulo, João Dória. O Instituto Pólis produziu material gráfico ilustrando como essa proposta de revisão e alteração da Lei de Zoneamento pode impactar o futuro da cidade, revelando os reais interesses por trás do trâmite.

Em 28 de Fevereiro do mesmo ano, SASP – Sindicato dos Arquitetos de São Paulo, Entrefaus – Coletivo das entidades estudantis de arquitetura e urbanismo e FLM – Frente de Luta por Moradia organizaram o ato “Dória, SP não é negócio”. Partindo da frente do edifício da Prefeitura até o local de realização da última audiência pública, denunciaram não apenas a falta de argumentos técnicos que embasassem a proposta de alteração, como também o caráter absolutamente questionável do que a Prefeitura chamou de “processo participativo”. Em todas as 5 audiências públicas a proposta foi rejeitada pela população.

Outro ponto levantado na análise do IAB-SP chama a atenção em especial: o Plano Municipal de Habitação, previsto no PDE, não foi aprovado até hoje, 2 anos depois da sua apresentação na Câmara Municipal de São Paulo. O Plano atualiza a política municipal de habitação (a lei atual tem mais de 20 anos) e amplia o escopo de diretrizes e instrumentos com os quais será possível enfrentar o alarmante déficit habitacional na cidade.

O processo democrático pressupõe o exercício de observação e, sempre que necessário, reparação de possíveis equívocos, imprescindivelmente dentro da legalidade. Refletir e discutir o Plano Diretor Estratégico não apenas representa um exercício de cidadania, como se faz extremamente necessário para manutenção de uma cidade igualmente e, de fato, democrática e socialmente justa.

Para acessar o infográfico completo, clique aqui.

fotografia

Victoria Braga

diagrama

Maria Cau Levy

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“Para a contenção da barbárie, faz-se necessário anunciá-la. Enunciá-la. Fazer vê-la. Colocar a nu aquilo que a cultura vela e em tempos sombrios, a mascara e fantasia. E trazer à superfície suas formas comuns. Como pontua Bataille, a arquitetura se expressa um gosto predominante para a autoridade divina ou humana. Talvez seja o caso de voltar-se às vidas que foram excluídas e, todavia, produzem mundos à parte da ordem divina na qual instauramos esta cultura?”

A publicação foi realizada na oficina editorial coletivo: arquitetura e política, uma atividade elaborada pela Goma Oficina (SP) e a revista Piseagrama (BH), para a XV semana viver metrópole – semana de arquitetura organizada pelos estudantes da FAU Mackenzie. A oficina se deu através do levantamento de algumas questões que relacionam arquitetura, política e publicação editorial, como por exemplo, onde se encontram os discursos formativos hoje na arquitetura, para que e para quem publicamos atualmente e o que uma publicação pode trazer de novo para a arquitetura e para a política.

Os participantes foram convidados a selecionar conteúdos ligados a esses  temas para entender possíveis linhas editoriais entre eles. Os formatos trazidos foram diversos: textos, notícias, imagens, livros, pesquisas, manifestos, fotografias, entre outros. A seleção de conteúdos mostrou como os mais diversos assuntos podem estar conectados, entendendo que a informação necessita uma leitura crítica. Uma matéria chama atenção para a construção de um mural no Minhocão retratando as artistas Linn da Quebrada e As Bahias, símbolos da luta LGBTQ+, enquanto outra aponta casos de violência e transfobia que mulheres trans sofreram no Arouche, muito próximo ao mural. Tomando a luta de grupos marginalizados como mote editorial,  o grupo elegeu três temas para criar uma narrativa crítica para a publicação: intolerância, gestão e apagamentos, relacionando  a cidade de São Paulo e seus agentes em diversas esferas.

O formato, também discutido em conjunto,  estruturou duas maneiras de inserir esses temas na publicação, uma para os conteúdos “teóricos” e outra para os “recortes” – inseridos como “abas”.  Os recortes eram citações de livros, músicas ou poemas mais curtos, pontuais; os teóricos, notícias íntegras, matérias de revistas e trechos de livros. As imagens, retiradas do google e das matérias, foram recortadas em pontos específicos representando os assuntos. A zine resultado desse processo é um mosaico de recortes que apresenta fragmentos da atual conjuntura política e os desdobramentos desses acontecimentos na sociedade.   

Diversos escritores, músicos e artistas foram citados, entre eles:  Criolo, Georges Bataille, Giselle Beiguelman, Guilherme Wisnik, Maria Rita Kehl, Mc Linn da Quebrada, Sérgio Pena e Walter Benjamin.

A zine não está a venda e está disponível online neste link.

oficineiros
Paula Lobato
Ana David
Christian Salmeron
André Stefanini
Fernando Banzi

participantes
Thais Zanini
Sophia Noronha
Sofia Olival
João Vitor Araújo
Gabrielle Frigotto
Guilherme Carriel
Victor Martins
Laura Vasconcelos
Beatriz Saporito
Felipe dos Anjos
Gisete Reis

sobre piseagrama

PISEAGRAMA é uma plataforma editorial dedicada aos espaços públicos – existentes, urgentes e imaginários –  e além da revista semestral e sem fins lucrativos, realiza ações em torno de questões de interesse público como debates, micro-experimentos urbanísticos, oficinas, campanhas e publicação de livros.

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A mostra tem assinando o projeto expográfico Ricardo Amado e na identidade visual a Goma, que também foi responsável pela recriação das seis maquetes presentes na exposição: o Instituto Lênin de Ivan Leonídov, a Sonata para o Sono de Konstantín Miélnikov, a Composição n.12  de Aleksandr Ródchenko, os Arkhitektons Gotha e Alpha de Kazimír Maliévitch, os Imitabichos de Varvara Stepanova e Alexandr Ródchenko e o Monumento à III Internacional de Vladimir Tátlin, também conhecido como Torre Tátlin, construída ineditamente no Brasil.

O processo de pesquisa e desenvolvimento das maquetes foi realizado através de residência na Funarte São Paulo, aberta ao público e com visitas guiadas ao longo do processo. Também realizamos no espaço uma mostra de cinema  junto com a diretora Aline Belfort entitulada “Kinoglaz” onde exibiram filmes da época como “A Greve” de Serguei Eiseinstein e “Um homem com a câmera na mão” de Dziga Vertov.

Confira abaixo o vídeo resultado do processo de residência:
https://youtu.be/hUoR3Ahp8q0

Maquetes
Arkhitektons, Gotha e Alpha de Kazimír Maliévitch
Composição n.12  de Aleksandr Ródchenko
Instituto Lênin de Ivan Leonídov
Imitabichos de Varvara Stepanova e Alexander Ródchenko
Monumento à III Internacional de Vladimir Tátlin
Sonata para o Sono de Konstantín Miélnikov

Goma Oficina
Guilherme Tanaka
Vitor Pena
Joyce Nakano
Didi Domingues
Victor Isawa
André Vitiello
Léa Devaux
Maria Cau Levy
Ana David
André Stefanini
Christian Salmeron
Victoria Braga

Imagens  
Aline Belfort
Lauro Rocha
Fernando Banzi

Edição
Aline Belfort
Maria Cau Levy

Trilha Sonora
Cerbero
Música de Selvagem

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O tema ou nome do Seminário me chamou particular atenção. E então, minha reflexão começou, de fato, com a própria construção do sentido das palavras ali contidas:

“Arquitetura para Autonomia: ativando territórios educadores”.

Educação vem do latim, educatĭo,ōnis (education) “ação de criar, de nutrir; cultura, cultivo”. Autonomia é “a capacidade de governar-se pelos próprios meios”, ou: direito de reger-se segundo leis próprias, do grego, αυτόνομος (autonomos), “de si mesmo”.

Por associação: “criar por si mesma, nutrir a si mesma, cultivar a si mesma”.

Ao que parece nos sugerir, no sentido mais essencial, educação e autonomia relacionam-se diretamente com a capacidade de reconhecer e desenvolver, em si própria, as suas potencialidades.

Faço um parênteses para resgatar um texto que me parece oportuno: “Construir, Habitar, Pensar”, no qual Heidegger ensaia uma reflexão teórica acerca dos conceitos de “habitar” e “construir”, estabelecendo relações a partir da etimologia. Em uma passagem, o autor apresenta a relação intrínseca existente entre as palavras “bauen”(construir), “buan” (habitar) e “bin”(eu sou, nas conjugações ich bin, du bist, eu sou, tu és).

Observar e refletir sobre essas relações se apresenta como um bom começo de conversa, com o intuito de pensar e repensar o campo do construir, do habitar e do ser; da prática da arquitetura ela própria, construção e transformação dos espaços habitados por pessoas.

E podemos finalmente nos perguntar: onde cidade, arquitetura, autonomia e educação se encontram? De que maneira a arquitetura pode construir práticas para autonomia? De que maneira as cidades podem habitar territórios educadores? E de que maneira podemos ser parte desse processo?

Seminário Arquitetura para Autonomia: Ativando Territórios Educadores

Realização: Instituto a Cidade Precisa de Você e Escola Sem Muros 

Parceria de Fomento:
Conselho de Arquitetura e Urbanismo de São Paulo – CAU/SP

Crédito das fotos: Leo Otero

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